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可遠聽而不可細味的鍾舒漫【True Instinct】

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鍾舒漫

True Instinct

廠牌：英皇︱ 評分：4.5

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鍾舒漫由初出道開始便已是不少樂迷又愛又恨的單位，她有特別及個性的聲線，但她卻屬於英皇娛樂，那個每個歌手都一模一樣沒有個性沒有內容的流行歌手唱片公廠。原來她2007年已出道，唱了近十年還是唱不到任何代表作，英皇終於畀佢由「純情卓韻芝」樣變成「潮童女生」形象，與細妹鍾舒琪以「日本涉谷潮童」形象出歌，玩無厘頭的青年文化，作品《SS14》除左畀人聽得出係抄外，都算係引起返一d 討論及注意。

不過，鍾舒漫的問題還是「英皇娛樂」這四個字。不要讀任何英皇娛樂的文案，因為讀完，一係會侮辱你智慧，二來亦係侮辱香港人的智慧。年輕人可以很簡單很玩樂主義很嬉皮笑臉，但不代表是白癡沒有智慧的，英皇娛樂的問題就是這樣，那些文案讀完你會覺得只要是中學生也會覺得寫那條友是有問題。

正如《SS14》一曲中，歌詞可以在當時全球在「依波拉」的恐慌中用「依波拉」來做噱頭、hookline，就知道整件事是如何反智。

鍾舒漫這張向80年代致敬的【True Instinct】亦然，先不要說「又玩80年代？」，係，香港樂壇玩來玩去都係80年代，由楊千嬅【電光幻影】開始玩左十年多到何韻詩陳奕迅到人人都話要玩80年代，但佢地的80年代來來去去都只係new wave synth pop那種聲，乜80年代真係得咁架咋咩？吳雨霏早前的【艷羨】未又係玩80年代致敬，至少佢玩disco及R&B，這張【True Instinct】則又是陳奕迅《重口味》帶來的影響吧。

【True Instinct】最可取之處是整張EP 均是舒舒漫作曲，而《改潮玩代》與及《聚光燈》的八十年代new wave 雖然又係玩來玩去都係果野同聲，但在廣東歌的系譜上還是做得對板成功的，鍾的旋律其實亦有自己一套，前者的旋律走向及key設定的東????味是不錯的；後者的旋律其實是上盛的，林寶的歌詞亦幫鍾舒漫爭取了一點分數，若然在vocal及mastering 上不那麼單調乏味的話或可成佳作。

至於其餘兩首則可謂是大災難，《自信足爭》的R&B是拉牛上樹，亂咁來；《沉默的對話》則是惡趣味當有趣。

再睇【True Instinct】的MV，你見鍾舒漫真係好努力，但這亦是叫人覺得唏噓的地方，好似《改潮玩代》的MV，她學陳奕迅玩80年代造型加那些惡頂舞，混入韓風式少女風味，哇，呢d 唔係幽默唔係好笑唔係型，係好cringeworthy 好惡頂呀。玩幽默是需要很多功力，亦是很危險的，因為當你幽不到默，整件事只會變成是徹底災難。年輕人無傷大雅的幽默趣味其實有時蠻好笑，若然玩那些幽默的人真的是十幾歲的後生仔及佢地真係好笑的話。

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【準備中】的陳奕迅，不如不見

陳奕迅

準備中

廠牌：Universal︱ 評分：4

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陳奕迅真的曾是音樂指標及是香港音樂的良心來的，但真是對不起，由英皇加入新藝寶後【What’s Going On…?】近十年的陳奕迅，已不再是當年的陳奕迅，不是悶就是悶，這種悶有幾個層次的，一是音樂性的悶，二是歌詞主題的悶，三是唱來唱去都是一樣的東西的悶——不過，最要命的是，是歌者唱出無物的問題。

早說過，陳奕迅的碟名一直都有暗示陳奕迅的迷惘，由「怎麼樣」到「What’s Going On…?」到「然後呢」等等都是陳奕迅最誠實的音樂心情寫照。也不記得多少次，聽陳奕迅的新碟總有種意興闌珊的感覺，總覺得陳奕迅要收爐的感覺——若然他真的收山或減產就多好了。這種感覺在早初還是能夠傳遞得真摯，那種對生活的反思及對人生前路的不安感還是能夠成立，像【不想放手】便是其中一張較出眾的唱片，而當中的情感是複雜及有趣的。不過，重重複複近十年，還是老調常談，這只變成是歌者越唱越空洞，音樂靈魂早已熄滅無光的表現。

現在的陳奕迅的問題是他唱不出任何人的聲音，沒有性格沒有個性沒有追求沒有信念，中產豐盛人生又不敢歌唱人生美好的快樂，又偏想繼續保持著那種與草根基層的「屋村你住哪一坐」的聯繫——其實這聯繫由一開始已知道是phoney 不誠實的，陳奕迅那是屋村仔？呃得一時呃不到一世，今日【準備中】封面一樣那個迷惘樣，由現以「袁兩半」之名落筆的潘源良主理全張碟歌詞，用舊拍擋Jim Lee, 劉志遠及Eric Kwok 等去做「懷舊音色」，長話短說，用林夕的歌詞最能概括

即使再見面 成熟地表演 不如不見

陳奕迅尋根找回自己的pop rock root 找Jim Lee及劉志遠的做法，這廿年間其實已做過無數次，這次廿年後再來，便令到這個曾經我最喜愛的音樂組合完全outstayed its welcome。這次劉志遠及Jim Lee做的東西基本上與以前一模一樣，pop rock 加入一點懷舊音色，但歌詞與旋律卻完全是以前的至少六七折。坦白講，尋回原音第一次是精彩及叫人興奮，十幾年內做幾次就只是不思上進，最好收爐。

全碟沒有亮點，主打歌《無條件》是Eric Kwok 《當這地球沒有花》的姊妹作，潘源良的歌詞亦似有刻意回應，寫出了一個這個「無條件的單戀」一個完美結局，用字的抽離及力度，亦呈現出八十年代歌詞莊重、誠實的美學，在歌詞編上都是全碟最上盛之作。如果全碟只是一張單曲，也其實蠻特別及有紀念意思。不過還是那句，還是情作怪，這麼多年這麼多情歌，我們真的有那麼多情那麼多愛？

其他歌，也不用多說了，《一個靈魂的獨白》AGA的旋律平平無奇，是挑戰忍耐力不熄機的作品；謝霆鋒的《起點.終點》像是學生哥作品，兩頭不到岸；Eric Kwok 配張子堅的那些作品就是完全的Cafe music，沒有亮點沒有個性，是典型ok 好聽舒舒服服但過耳即忘的美學，《心燒》reference The Carpenters再在chorus突然轉調，變成是日本80年代玉置浩二等作品的走向，算是有點特別。整體來說，曲子聰的旋律較出色，《黑洞》會是喜歡80年代流行曲的朋友的心頭好。其他Jim Lee監製的那些作品都是Jim Lee及陳奕迅舊作的重複再重複。

都是那句，廿年歌者生涯走到這個唱出的一字一句皆空洞無物，真的是可惜——又或者只是聽歌的我grow apart而已。對陳奕迅有無條件的愛及容忍的樂迷可能仍會覺得這張是一張耐聽專輯。當然，要讚不是沒有東西可讚的，例如陳奕迅仍是對專輯製作的統一性有高度要求，會肯將工作交給一兩個製作人去包辦全碟，又例如陳奕迅肯做不是「最商業」的流行大碟等等，都是可以讚的，只要嫌讚了十幾年仍未讚夠的話。

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旅行團【B Side】

旅行團

B Side

廠牌：來福膠泥工作室︱ 評分：7.4

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旅行團上張EP的主打《於是我不再唱歌》，似乎是一條分界線，標誌著他們對人生某一段落的告別，和對「成長」產生的更多感悟，而這張新專輯【B Side】，則從「自己的另一面」切入，他們嘗試去展露平常假笑面具後的真容，或挖掘出自我的「冰山」之下，所隱藏的深沉情感。

【B Side】的第一首歌曲，用馬拉松來比喻生命，把自己比作了孤獨的跑手，那由王海濤所寫的歌詞，雖未能帶出新的觀察角度，然洞悉了現代都市人心，而主唱孔陽有著「奶油味」的「暖男」歌聲，儘管不是特別出眾，但仍可以令我們在陰暗冰冷的人生隧道內，取到些微暖意。另首本人喜歡的《悲傷珊瑚群》，現出了末日的景象，或是蒼茫、沉重的畫面；歌中非常優美的旋律，結合原聲結他到愛樂樂團的弦樂伴奏，頗俱意境，又和滿溢悲觀的歌詞內容匹配；而孔陽那比過往更佳的唱功，穩定且「不含雜質」，像唱詩班裏面的16歲處男，以他純稚的聲音，對照了快崩塌的亂世。

風格不斷變換的《B Side》，幾乎每首歌都有能相互區分的輪廓，見證了旅行團樂隊的音樂可塑性，怪不得他們成立十年之後依然屹立不倒，甚至愈受到大家歡迎，這當中的原因，除了幾位團員的「顏值」不低之外，更重要是此樂隊不會故步自封，肯作出使大部分樂迷能接受到的積極嘗試（注意：這嘗試滿足了兩個條件，一個是「大部分樂迷能接受到」，另一個是要「積極」的，能擴寬自己原來音樂路子的，像專輯《Wonderful Day》內的《Marry》，或是帶著新古典氣息的《悲傷珊瑚群》）。此外，介乎於主流與獨立之間的旅行團，不僅仍握有音樂上的主導權，還做出了不少比時下放在「A Side」，且被力推的流行歌曲更Easy Listening的作品（結合了流行和獨立音樂兩方面之優勢），加上他們的靈活性，和時不時在歌曲中出現的有趣想法（從以前《Dog Dog Dogs》內取樣的《In the Hall of the Mountain King》及法語朗誦，到現在《控》內的粵語報站），都令到樂隊的作品或是樂隊本身，更俱有能親近大眾的吸引力。

專輯《B Side》，要展現旅行團的另一面，但它跟樂隊之前的唱片一樣，也是有著「創新性」不足的缺陷（儘管他們很會「嫁接」音樂），一首用了很多兩字詞語的《輪廓》，聽起來就像魏如萱《一顆灰塵》的「姊妹篇」；而融合西部片風情的《駕》，仿似做法新穎，可即使在前兩年的大陸專輯中（低苦艾的《守望者》），亦已經有過了近似的示範。然而，旅行團的定位，本就是一支屬Pop Rock的樂隊，你不可能奢求他們玩出「過火」的實驗音樂，或帶來什麼石破天驚的創舉；況且，在旅行團的作品裡面，我是聽到了一種「踏實」的感覺，一種於現時流行歌內漸消失的，能令人「心動」的感覺，他們沒有為要跟隨「搶關注」的潮流，就去加入「亂舞」團，而是陸陸續續地交出仍算「業界良心」的創作，show出了大陸最主流音樂圈（A Side）之外的另一邊（B Side）之美。

首選：悲傷珊瑚群

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吳雨霏【豔羨】參差的音樂拼貼

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吳雨霏

豔羨

廠牌：Universal︱ 評分：6.3

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吳雨霏一直都是在香港樂壇上較特別的一群（見吳雨霏如何能在香港樂壇「生我的命」一文，她主流卻常有著與迂腐主流的角力。這幾年落力把音樂走到更成熟的境界，轉型做更具個性的音樂，但效果還是負評多過正評。

也不難怪，現在香港樂壇缺乏火花，大家做的音樂都不是太過保守就是太過referencing 其他外國作品，要轉型也不知找誰可幫手。以前會找人山人海，但人山人海早已失去了其edge，要變也求助無門。吳雨霏上次找陳考威(SpingWo) 與Fergus Chow，結果變成了效果一般的懷舊R&B，還出了首明顯抄襲的《生我的命》。這次出絕招，找來林憶蓮監製四首作品，夥拍其男友恭碩良及倪凱文Kelvin Avon，其餘班底則有CY Kong及人山人海，填詞亦刻意找回潘源良、林敏聰等80年代詞人填詞，改革的決心及整體執行的水平都比起上次更認真、更徹底。

確實，效果出來確實是吳雨霏的專輯的新高點，亦是香港樂壇近年來其中一張製作優良的專輯。風格尙算統一、連貫，音樂概念尙算明確，尤其在專輯開首的三首最能體現。先是揉合80s new wave 的campness 及R＆B的《艷羨》，是近年香港最出眾的同類型作品；《一分鐘稀客一分鐘色誘》擺明抄／啟發自Daft Punk的neo disco作《Lose Yourself to Dance》，旋律卻是經典的90s 林憶蓮時期的R&B，雖音色與起伏未免太flat，但效果都是不錯；盧凱彤、何山及蔡德才@人山人海合作處理的《想入非非》是dreamy 的電子輕快作品，還有人山人海愛用的disco 年代假string 穿插作品，沒驚喜可言但亦算是一貫人山人海的快樂音樂體驗。

不過，專輯發展到《一千個假想結局》便開始跌watt，徹徹底底的filler，可有可無，CY Kong 的《流螢》帶回較日式青澀的聲音，還是一般水準。緊接的《我敢愛》則是最對板的情歌，既走回90、二千年初那些日劇歌曲及台灣女歌手的輕快中板風格，亦像林憶蓮那些簡單美好的《寂寞流星群》等作品，算是最juicy, 最crisp 的一首。

梁榮駿主理的《超男友》承接《我敢愛》則是失焦的一首，開始偏離專輯風格及令專輯的人造糖含量升得太高，一下子很尷尬。不過，講尷尬還不及何山及蔡徳才處理的《真過份》尬尷，an utter embarrassment，明顯冒著Mark Ronson 與Bruno Mars 大熱作Uptown Funk 而來，原本想做funk 的懷舊西歌，但因為不屬行這音樂genre，所有東西都硬得像石頭，中間的人聲效果等都都是絕對「屎橋」，唯獨尾段的improvisation好一點；林敏聰的歌詞亦明顯跟不上時代，不好笑，又不生鬼，與高登音樂台及網絡歌曲的水準差太遠，吳雨霏的演繹亦當然像TVB 演員的生硬演技一樣，最後整首作品只是一個超級爛gag，然後全場鴉雀無聲。

可惜，這專輯有潛力成為佳作，若然在選曲上再精良一點，在音樂元素上再用心一點，絕對可留名在廣東流行。現在出來，沒有內容（歌詞基本上可有可無，尤其是周耀輝十年如一日的那些主題及藍奕邦填左成三年都係三幅被的「let’s have fun tonight」的享樂主義主題）——音樂上又有尷尬到暈的《真過份》，足見香港樂壇的弱點，沒想法，見人紅就跟，結果clone 出一隻四不像，好可惜。

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岑寜兒活在「香港」here，卻離地在如天堂的there

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岑寧兒 Yoyo Sham

Here

廠牌：︱ 評分：5

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當代香港文青唱作人代表岑寧兒等了多年的首張專輯【Here】的定名還頗尷尬，here, 這裏，明明生活在這個混亂的香港，但專輯的「這裏」卻原來一點都找不到其他人在這裏的感受，是絕對的離地代表，還真諷刺，亦頗能概括整張專輯的感覺︰沉醉在自己的小確幸，離地地樂觀，感性卻空洞。

【Here】當中包含了Gospel, a cappella,folk pop, World music 等的音樂影響，美麗渾厚的和音Harmony，柔麗的vocal，輕浮的假音及氣聲，層次極佳的音樂編排，確實是一張適合天氣晴朗的星期天的專輯，但想來想去，又發覺，原來這只是適合沒什麼事幹的星期天自家cafe 式音樂設定。

專輯的歌與之前她的作品類似，都是探討個人存在及感情世界，卻用一個極平靜的調調，嘗試以一些「小聰明」的意象來表達深厚的感情，像《空隙》中的「該怎麼形容　像一個球　又像一個洞 它越大越滿卻越空」，又或是《含羞草》的「我的影子 長了一棵含羞草 誰碰到了我 也就碰到了它」這些意象，有點像中學時上文學課學生用盡力想的那些意象，不差，亦難稱得上獨特及深刻，適合個人沉溺，或者。

講述感情關係的《空隙》與《You and I》，前者有盧凱彤編曲，較像90s pop rock 格局；後者更有Jerald 配編慣大熱情歌的Ted Lo出馬，則較像60，70年代的pop ballads，出動煽情弦樂，還是敵不過歌詞本身的空乏，煽極也煽不到多少情。倒是仍然是極有蔡健雅影子的《Mask》效果最佳，偏向chamber pop的小品格局，尾段加入的弦樂等都見奇哥的功力。

見證專輯的創意不足，當然是兩首翻唱作品吧。嘗試加入戲劇感及Tango的《光之翼》則像一個現場acoustic 版本的翻唱，現場版本的感染力及現場感或者會更好；翻唱《Twistable Turnable Man》則令我好奇，為什麼我不聽回Andrew Bird原版？意義究竟何在？我真的想不通。

專輯最精彩的，還是開首的《明天開始》以及單曲《哪裏》，前者是個愉快的音樂歴程，內容說什麼都沒所謂了；後者有Jerald的R&B及funk處理，算是聽得最投入。

或者，岑寧兒頗能代表當代的年輕歌手及一眾富裕的香港年輕人，像王菀之一輩，中產家庭出生，有宗教背景，通常衣食飽滿，追求生活品味。縱使世界紛亂，他們還能樂觀地活在自己的世界裏，就像《Glow》一曲的樂觀，「yes, everything you touch turns into gold ／ yet you won’t let it show, cause you don’t even know」的猶如聖詩的超凡調調。

或者，他們追求的「藝術」不是當代藝術著重的「叛逆顛覆」的精神，而是追崇封建年代建制藝術的high art 藝術家地位及藝術家的傲慢。音樂無疑是可成為避世的工具，但當一個歌手的聲音唱出無物，sing for nobody的時候，那我在想，這種音樂，真是放在Cafe 上播亦有點無謂，究竟為誰而唱。像寫友誼的《不枉我們張山十年》，這種歌詞我讀書時寫在紀念冊亦嫌老土作狀吧，為什麼還可以出現在專輯裏？是我不夠潔白純真嗎？或者，這音樂只是不適合我聽罷，我只不過是想貪心一點真心喜歡這個香港力捧的新音樂talent 而矣。

最後，這專輯有奇哥助陣，奇哥的音樂造藝不用懷疑，但這張專輯為何這麼generic?我終於記起，當年自然捲的精彩，原來還要多得娃娃的歌詞及個性。

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黃連煜【山歌一條路】，心中一條路

黃連煜

山歌一條路

廠牌：滾石唱片︱ 評分：9

到中國大陸進行采風之旅，然後回來台灣徒步環島客家庄巡演行，這兩三年黃連煜一直不定地在尋根，省思著如何延續傳統山歌之迫切問題，並積極整理那些口傳心授的山歌規則。他的最新作品——【山歌一條路】，依然有著對新舊元素糅合的驚喜，但更值得稱讚，是其完成從「走出去」（《Banana》）到走入自己山路的轉變，如將取之於外的營養，吸收、「內化」成為身體中的一部分。

新專輯《山歌一條路》的序曲對唱，就像唱山歌時會附帶的回聲、迴響、回應，而此回應又喻為是一種傳承，跟《Banana》開篇的《海深嗎》有異曲同工的地方。黃連煜在《山歌一條路》裡面，巧妙運用對唱或對話之形式，提醒人需延續傳統的重要，那裝滿回憶的《祭矮屋》，即以低八度的演唱音軌疊合，象征著和老屋的交談，也暗示對美好舊事物、舊感情、舊價值的守護；矮屋是你的家人，山歌則是黃連煜生命的一部分，他要保住這「屋子」，必須能將它進行「活化」，梅州傳統五句板的《花界情人》，於被中西樂器（小號、笛子）碰撞的編曲擦拭後，便示範了「舊東西」如何在亮出新光澤的同時，又不失其原來的本貌。

跨越古今中外的《山歌一條路》，令舶來的說唱、藍調更能跟客語歌曲融為一體，調和出黃連煜所追求的「新山歌」風味。不論國語、客語饒舌對話的《沒那必要》（又是「對話」形式），或像西方音樂注重節奏、韻律的《土樓阿哥》（令我想起他之前的《黑武士》），甚至是《西部》如歌名已經點出的藍領、牛仔風格，都在套了一件外借衣服的時候，仍保留著客語歌的本質、慣性，使到中西的音樂成份不只疊加在一起那麼地簡單，而是能相互地發生反應！這相互性，還體現於歌詞內容對古與今的打通思考，好比《祭矮屋》回應了台灣「大埔事件」，強拆的可以指是老屋，也可以指舊有的客家文化；而《沒那必要》提到的「語言政策」侵略，至《西部》一窩蜂地去到中國大陸「淘金」之現象，亦共同反思了新潮流的衝擊與危害，以及舊傳統被壓制發展的問題。

因此，《山歌一條路》的最後，仍是要回到屬於自己的路上，回到屬於自己的「根」之中。《祖訓》兩分多鐘緩慢的前奏鋪陳，如暗示返鄉路途的漫長；《山歌一條路》簡單的彈唱、編曲，又撥開了雲霧，使人看清前面的路向。專輯以心中無沙塵的《過山拉》、《山歌王》為始，到單純的《山歌一條路》作結，像畫了一個圓圈，告訴你還其本質的重要，也告訴你窮一生尋找的終站，其實就是你出發的起點。

感受過歲月冷眼的黃連煜，自然瞭解外面世界的複雜險惡，他將客家山歌變為自己的信仰、變為一種精神歸屬，因為在山歌裡可以找到一方净土，能抵禦惡俗流行的侵蝕，避免受到偏歪了的價值觀所感染。使人慢下來的《山歌一條路》，更使人清醒，其內裡面揉進細膩情感與看透風塵的創作，如提供了火把一樣，好讓你在歸途經過險峻的山路時，能夠用上。

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張惠妹「偏執」的「分開」，都對也都錯

amei2014

偏執面

張惠妹

廠牌：聲動娛樂 / 發現音樂︱ 評分：6.5

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記得大約十多年前，張惠妹曾被媒體形容是「亞洲版麥當娜」，到現在Beyoncé當道，A Mei的音樂路向，又半跟著這位樂壇天后走。早前的《潛規則》，連MV的造型、黑白用色也很Beyoncé《Single Ladies》的風格（只差沒換上她招牌的高叉連體緊身衣），如今A Mei的《偏執面》，又仿照Beyoncé同名專輯那無預警釋出的策略，在預告、宣傳不多的情況下，突襲般地面世（這也是由於專輯在網上的泄漏而被迫提早上架）。

跟Beyoncé的《I Am… Sasha Fierce》（雙面碧昂絲）一樣，張惠妹2011年的《你在看我嗎》也是將快慢歌分開，各自可成一張EP，而這次《偏執面》繼續類似的做法，前段感傷內斂，後段釋放動感。《這樣你還要愛我嗎》從低迴到高漲的音樂，致使人容易泥足深陷，不能自拔；此歌超越了詞的表述，特別是outro一段疊上阿妹的吶喊，仿如被困在Band Sound的漩渦內，仍要傳達風暴中生命還留最後一擊的頑強，A Mei在新專輯中有點沙啞的聲音未必是她最好狀態，然而其豐富的情緒，可以澎湃像海嘯，也可以靠「細膩」動人：《三月》表面貌似平靜地敘事，但實質是一片滿目瘡痍，那不複雜的歌詞旋律編曲，輔以真實到快自我踐踏的心境，張惠妹展現非同一般的「演技」，使聽眾能夠跟隨著她，到達沉浸在過去中隱隱作痛的內心世界裡。

另首波瀾不驚的《自虐》，用上了自我安慰的語氣掩飾情傷，A Mei壓制的唱腔，依然是想靠「不填滿」的手法，來為自己好像解脫但又纏著糾葛的複雜情緒，預留發揮的空間；它的溫柔「流動」，如梳子慢慢地梳理卻梳不清，整歌總體的結合效果很好，無需要所謂的「爆發」，就把你征服。加大力度的《偏執面》揮灑出張惠妹應有的霸氣，其編曲、歌詞與vocal都帶著不顧忌往前走的感覺（即使腳上綁著沉重腳鐐，即使前面是無底深淵），而作詞的蛋堡，不知為何還要rap上一段，他切割了歌曲的情緒，令這段rap的出現變得頗為唐突，或者製作構思是想在此留下一個轉折位，也好讓蛋堡引出他同門師妹葛仲珊的作品出場。

專輯節奏加快的第二part，先是線條粗黑然而走向簡單的《跳進來》做出熱身動作，《狗》換上忠心於人類的動物角度，去看人情感不忠的舉動，也以野性的編曲，暗示人如獸性未脫的動物一樣有著不能輕易滿足的慾望（這慾望導致人會產生「三分鐘熱度」，導致人的「忠心」總是較難建立）；《Booty Call》繼而將慾望從心底解放出來，在韓式舞曲慣用的電音/節奏強烈對碰下，身體的慾火難控又何必再忍；於是，《飛高高》更坦蕩蕩地寫性愛高潮，其熱帶風情的氣氛如走入亞馬遜叢林，也隱喻在私處部位「探險」的快樂，編曲的阿弟仔為表達人在高潮時的奇妙感覺，特意混融了異域味濃厚的元素，令音樂橋段突然有意想不到的變化，亦令人有扭擺身體的衝動（這和《Booty Call》的intro敲擊還帶著Beyoncé《Run the World (Girls)》的影子）；《前進烏托邦》再將這”high”放大，使大家沒頭沒腦放縱地跳，儘管這些音樂好比彩色紙片飛舞一陣便完，但長期活在如戰場的現實，你仍是需要靠它們來做減壓劑。

「升官」當上EMI總監的A Mei，本身自己也有兩個品牌：一個是著重搖滾風格的「阿密特」；一個是音樂題材較為縮窄的「張惠妹」，而後者現在又喜歡拆分開快慢兩部份，以告知歌迷（或是金曲獎評委）她既可演文戲也可演「舞」戲。「張惠妹」（品牌）這樣的安排，或許「都對也都錯」，對的是能令兩部分各自聽起來更統一一點，錯的是兩者之間好像沒有了聯繫，即使《偏執面》在銜接方面比上張改進了（上半部分有midtempo pop的滲透），但專輯前後場的「交球」動作仍不夠流暢，「張惠妹」（品牌）如下回再這樣分開地策劃，它的中場位置和情緒的過渡應該要考慮如何去做得更好。

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RubberBand《Frank》：夠坦白但不夠深刻

RubberBand

Frank

廠牌：寰亞唱片︱ 評分：7.1

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frankr
已經將專輯出到”F”字頭的RubberBand這次要坦白面對自我，從唱片包裝上頗有心思的點子（挑選了95位受訪者的相片外加樂隊的4位成員，以及在類似鏡子的封面上映照到的聽者本身，剛好就是第100位向自己「坦誠」的人），即可體現出他們對待「專輯概念」的認真態度；而於市道極度蕭條的情況下，RubberBand更是少有的能立下創作目標（A~Z）的香港樂隊，儘管前面尚有一萬里，他們現在仍能堅持尊重「唱片完整性」的精神，足以使人首先按讃。

要評論RubberBand的《Frank》，還是需提及一下它的「結構」，這次專輯的音樂佈局和《Connected》一樣，都可以分為幾個部分，卻能互相銜接妥當。振奮的《前面尚有一萬里》與《成長說明書》可看成較有力量的一組，而《是時候》、《坦白》則是相對收斂的一對；跟著《大話西遊》至《黑雞》帶來了活躍的氣氛，《把酒當歌》、《人生有個真正的朋友》又留下男性的一點荷爾蒙；《童稚萬歲》甩掉成人的軀殼，走出拘束的城市，《We Are One》的大愛精神，亦類似《Connected》中的《海．地》，超越了自身，到達外面更廣闊的世界。RubberBand用音樂描述的坦白過程，會先經歷心理上的一場鬥爭（如第三、四首的壓制），然後才是第五至七首的不斷釋放（從音樂上）；第十、第十一首看似與主題無關，但我想人只有通過坦白後，方能夠真正解脫到自己，令生活變得更逍遙快樂（《童稚萬歲》）。

一向肯於編曲上花精力的RubberBand，在《Frank》中也不例外，招牌式的鼓舞型歌曲《前面尚有一萬里》，通上了「電」的新意，《成長說明書》突出的結他彈奏，又以它稍帶著的激情，形象化了人生下來就要面對的比賽競爭環境，或不想重複再做「成長公式」的逃跑心態。多元發展的RubberBand，用不同樂風為專輯上了五彩顏色，他們將放克的《放》變做自己的《Get Lucky》，將延續《細街盃》風味的《黑雞》變做自己的《十個救火的少年》；《把酒當歌》擺滿的銅管樂器，增強了節奏的衝擊感；加插口琴的《人生有個真正的朋友》，則是一支俱Blues Rock血緣的佳釀；而敲擊部分成重點的《童稚萬歲》，引領大家前往不再局促的城郊野外，《We Are One》步伐齊整的合唱，亦轉化為正面積極能量，推動人放逐到離混世很遠之地方。

經過巨蛋「維穩show」事件的RubberBand，更懂得友情與忠誠自己的重要，他們的《是時候》、《坦白》仿佛像事件帶來的困擾與掙扎，而解救壓抑的唯一方法，就是要撕掉掩飾著瘡疤的膠布。不宜用來「維穩」的RubberBand，骨子內有太多的不滿，北望神州種種弊端的《大話西遊》，以及用黑箱作業、亂擺龍門的球場去明喻這社會的《黑雞》，都是他們不迴避批判的出彩之作。RubberBand將諷刺代替憤怒的生動歌詞，呈現出夾雜「口語化」的隨心感，可是此些詞能更free地在某些歌中進行表達的時候，又曝露了「字不太合音」的問題。

另外，新專輯有關坦白的內容亦都流於平淡，音樂的豐富性卻遮蓋不到旋律未夠「入耳」之缺陷。RubberBand的《Frank》，縱使在製作上仍算是成熟，但還需要俱加強它深刻度的「神來」一筆，而「心照一生」的四子現在所站位置，離之前到過的高峰（《Connected》），亦尚有一段不短的路程，等待他們再次攀上。

首選：大話西遊

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Robynn & Kendy 舊酒舊瓶，高質唱K

sailawayrk

Robynn & Kendy

Sail Away

廠牌：Universal︱ 評分：4.5

你的評分

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用詞與時代是會跟著時間走的，以前八九十年代我們喜歡叫一些唱得過份機械化的歌手叫做酒廊歌手，到九十年代尾二千年頭我們喜歡叫一些唱得很basic 的歌手在唱K。現在是網絡年代人人都可以發表音樂的年代，要形容Robynn & Kendy的新碟【Sail Away】，我覺得一個新的term來形容這兩個歌手的歌聲是確實需要了。

以在網絡翻唱經典金曲而取得大量點撃，更獲得Universal歌手一約，看來會是一帆風順吧。但是，環球簽了回來後，卻有點不知怎樣領航這隊Robynn & Kendy。出碟翻唱？網絡的那班人又會肯花錢買嗎？走原創，那究竟要走什麼路線？這正正是這組合的「死結」。Robynn and Kendy 的第一張EP以一半「新作品」一半「翻唱」來試水溫，新歌方面則走像at17般的「獨立、民謠、知性」的淸新路線，結果反應卻十分冷淡。當然了，以「小淸新」簡約編曲來翻唱家傳戶曉的金曲的Robynn and Kendy，又不是真的是那種獨立流行的小淸新，她們亦沒有獨立流行那種DIY、不打磨的美學，她們在最早的網絡歌曲已是有本錢用上專業器材與及有「人」協助拍攝了。

吸納不了喜歡獨立流行的文青，那到第二張專輯【Dear Diary】呢，雖然繼續一半新一半舊，新歌依舊有《小說伴咖啡》那種作狀文藝淸新，但最後跑出的卻是最polished的作品《陶瓷娃娃》。或者是因為這個原因吧，首張全新歌專輯【Sail Away】的作品終於不再走文藝淸新，變為一張格式化的廣東流行。

誰不愛聽出色的傳統廣東流行？但【Sail Away】聽到的卻只是像一間二手店賣著質素不過爾爾，且你看過無數遍的物品。坦白說，新專輯有Edward Chan及繼續王紀華作監製，歌曲確實是不難聽的，尤其是Edward Chan監製的作品應是獲得更多budget 的，在音色、混音等一切都是把她們的聲音推到更高的層次。不過，真正的問題，首先是Robynn and Kendy的創作力問題，專輯不乏好旋律，但更多的是平庸乏味的旋律，聽得出大部份都是從九十年代廣東流行取經，卻沒有真正的耀眼處。其次是，也許因為這個原因吧，兩人唱得也像唱K，雖然這張專輯明顯聽到兩人的不錯的歌喉及蠻廣的音域，但唱出來也就是太過圓滑，十分機械。最後，來到音樂編排、和音編排到創意層面，就是了既無新意亦無想法。

當然，也不是沒亮點的，《Sail Away》是專輯的亮點，在旋律到編曲都發亮的，編曲的T-ma@EMP交足功課，由鋼琴到結他到假絃樂，以接近jazz的improvise的美學編排，都編得美麗動人。可是，失驚無神的rap 卻是一個turn off，這種要加段rap的過時潮流，令整首作品忽然冗贅。這張專輯幾乎每種風格都會有兩首類似作品，《Sail Away》的同系就是緊接的「民謠小淸新」《今天只講笑》，有如雞䯇。走幾乎出現在每個歌手專輯的Fergus Chow處理的《公主病死了》怎繼續玩他喜歡的八十年代disco簡約風格，慶幸這次沒有再要送上某經典作品的一個snippet，同樣略略R&B的《到你》由The Exchange 有較生動的主理，groove更好效果更好。

王紀華監製，劉祖德編曲這個組合很九十年尾、二千年頭，《不痛不癢》就是這個很屬於那個年代的慢歌。同樣單位，同樣這麼多「合成樂器」，其實曾經製造過一首經典《當地球沒有花》，這次《不痛不癢》亦有類似氣氛，整體效果還不錯了。《第十行星》則是專輯中除了《Sail Away》外的亮點（這首有點at17），全因副歌的旋律寫得特別好，亦終於聽到較heartfelt、真摯的演唱。

不過，其實專輯最最最致命的還是音樂的內容，即是歌詞——這或能解釋為何專輯聽起來那麼空洞的原因。專輯策劃沒有方向，各填詞的沒有協調，由港女至極的《今天只講笑》到港蛙討厭政治的心態的《La La La》，到突然藍奕邦的《公主病死了》或是結尾的《It’s gonna be Okay》突然變得有宏大的「使命感」，都是九唔搭八。或是那些傳統單身之苦又或是自省的主題，都是沒有新意亦沒有多麼的心機，陳腔濫調，邏緝比兒童卡通片更簡單。其實單看專輯叫「Sail Away」就知這隊組合的空洞，上張專輯的《無人島》不是已唱了「Fly Away」了嗎？空路不通，水路更佳？

聽Robynn & Kendy【Sail Away】確是很矛盾的，它不是沒有心機的，你亦可看到製作的人大部份亦交出了心機及功課的，亦做到九十年代二千年頭的音色出來的。可是，在策劃沒方向的情況下，加上旋律了無新意與音樂毫無內容的情況下，這不是舊酒新瓶，而是壞酒爛瓶，她們唱不出任何人，包括自己的故事；歌聲的空洞，或者連唱K也不如。

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「平原習作」︰四種不同的香港小淸新

平原習作

Our 1st Works

廠牌：Sony︱ 評分：6.5

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不知何故，香港Sony 一直都有不錯的「選才」眼光，但在執行與宣傳上從來都是弱勢的，歌手從來都沒有什麼好後果。當年盧巧音是唯一一個可以有最好成績，其他的，尤其近年的如Chita與馮曦妤等都沒有什麼特別起色。

當然，也不是不知原因的，香港Sony通常不選最trashy庸俗的那些偶像派歌手，派台的都不算是最煽情最K的歌曲，這就在客觀層面上解釋了為何Sony歌手總發展一般。不過，其他原因其實還有很多的，當看到Sony今年其實十分值得留意的「平原習作」合輯project，就讓大家心中有數。香港Sony的網上Marketing與及branding/A&R等方面確實完全像停留在上兩個世紀的思維，跟不了時代，幫不到旗下歌手。單是看「平原習作」的封套設計，已經讓人嚇了一跳，這是否廿年前的學生會創作？

又或是，就像現在我在寫「平原習作」，想找更多有關他們的資料，已經十分有難度；他們有自己的facebook page卻沒有自己的網頁或bandcamp/soundcloud等專頁，試聽就只能憑其youtube 的三十秒試聽，想找幕後製作資料或歌詞更是完全沒可能。既然這個project 是推動本地新年輕獨立聲音，那至少在處事上亦要更獨立更年輕吧？

好了，說回正題。Sony為其收錄四個新的年輕音樂的單位的首兩首作品的合輯命名為「平原習作」。這種campaign在台灣其實頗常見，最經典的還是要數當年滾石的「少女標本」，反而香港印象中好像沒有怎樣發生過。以淸新為賣點，四個新單位收錄的作品都是很easy-listening帶有民謠感覺的作品。四個單位中，也不會對Lil’ Ashes是最早在媒體曝光的一隊，亦是在Sony 官方Facebook裏頭常常看見的一隊感到驚訝，因為在四個單位之中，Lil’ Ashes是幾乎輕易地突圍而出的。

Lil’ Ashes是四支樂隊之中音樂養㤋最豐富的，聽得出他們涉獵的音樂比起其他幾隊的是多出不少的。女主音那種帶著騷靈的沉實中音，正是近年歐美都很吃香的聲線，台灣的嘉嘉亦以「台灣Adele 」之名而取得不錯的反應。不過，Lil’ Ashes走的是民謠風格，或者你又會嫌我悶，主音的唱法確實聽到First Aid Kit的影響，又其至尤於她較少用假音，唱法與旋律走向其實更似Bob Dylan的。坦白說，以歌計，Lil’ Ashes的兩支作品都是失望的，因為既然他們有實力，我們的要求當然都不低的。

《Stricken Chord》其實已是一首「幾好聽」的作品，不過，在製作上卻有overproduced與焦點不淸的感覺，由intro 的coldplay式美麗結他和絃與那幾粒很「OK Computer」的尖銳鍵盤聲引入已經注定有問題，因為作品的旋律其實並非那種pop rock式流行調調，尤其bridge 的部份是很free flow,很rough 的走向，編曲為求配合便㚒硬加入了提琴來配搭，效果很尷尬；到第二段時男和聲的加入，又開始更接近那種很nostalgic的First Aid Kit調調，但整體的效果最後就是有點兩頭不到岸。

相比之下《Don’t think too much》則是到位得多的，那個典型六十年代的音效，那種憂澀的氣氛，主音的聲線，都是配搭得宜的。這種週末藍藍的色調的感覺的歌，對上一首已經是at17的《唱歌》了吧？

不過，對於小塵埃，還是充滿希望，在旋律譜寫到主音的聲線的潛力及辨識度來說，他們都是在香港樂壇裏格外標青，或者只需要遇上良好製作人，或是他們在風格及編曲上再加點心機，應該在他們的首張專輯會交出更具說服力的作品的。相對起來，平原習作其他單位在原創的層面與及辯識度來說，還需要再落很多功夫。

「台灣代表」Shandy Gan明顯汲收了很多台灣流行曲的營份，兩首作品都在編曲到旋律到演唱都是很像二千年的台灣作品；「歐美代表」則是Lilian Wong，明顯是走英美加港式風格，其實有點像今年的新人AGA，主流聽眾應該會蠻受落的；「香港代表」則是Trekkerz則是很本土香港的，相信他們聽的最多還是香港流行；土垉的風格讓我想起像二千年代的馮穎琪、嘉琳等的唱作人的音樂風格。

總括而言，雖然「平原習作」在執行到整個創意層面都是離飽滿還有一段距離，但還是對這個project感到欣慰的。只是希望香港新力由唱片刺劃到宣傳、形象等的配套都能夠多多配合，才會幫到這班年輕音樂單位的。「淸新牌」彷是港台「獨立音樂」的唯一出路，尤其香港，一直以來都是有一大班捧場客的；這班「平原習作」都是有一定潛力的，認真搞，也不是沒可能的。不過，至少我還應感高興他們不像某些「獨立單位」一樣，要以唱一些唱到爛的經典老歌或K歌作爭取網上人氣的手段。萬幸。

Shandy Gan/ I Remember The…
Shandy Gan/ Grandy Yeah Yeah
Lil’ Ashes/ Stricken Chord
Lil’ Ashes/ Don’t Think Too Much
Lillian Wong/ ‘Cause My Music Comes Along
Lillian Wong/ 牆外之音
Trekkerz/ 原地出發
Trekkerz/ 到此一遊

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在墜落後Keep Breathing的蔡健雅

tenyademon

蔡健雅

天使與魔鬼的對話

廠牌：亞神音樂 評分：7.4

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蔡健雅說《天使與魔鬼的對話》是她有史以來「挖掘」自己情感最深入的一次，那魔鬼代表墮落，如對舊感情的沉溺與執著不放；天使代表接受，是「已懂了痛了想通了才參透」。專輯其實仍未離開療癒唱片的舊套路，只不過這次的痛來得更加之「入骨」，情傷的血亦會流得更多，Tanya心明白不想硬撐做「被馴服的象」，她喂給自己更苦的苦藥，為的是之後的解痛。

跟魔鬼對話

孤感又至，他背影總每隔一段時間就出現在腦海，像月經般，令人難於抽離自製的困境。蔡健雅從平靜處開始潛入的《單戀曲》被鋪上了冷色調，其所述的舊記憶如一場漸大的雪，妳愈要鏟走它，它便更增大地去重新覆蓋妳的努力，於是，妳也只好扔下雪鏟在雪地哭泣，迎著副歌夾雜著狠狠刮過來的風，於安靜裡變得毀天滅地。

青峰作詞的《費洛蒙》，以各種各樣的動物及其所分泌出的相吸外激素為題來寫情欲，它編曲除了有「哇音」增強挑逗味外，整個行進的步調也是惹人心醉，《費洛蒙》就像魔鬼的引誘，伸出刺激你的雙手，而Tanya標誌性的慵懶又帶質感的Vocal，到同名曲《天使與魔鬼的對話》中，更是放得更鬆弛，這好比唱爵士的聲音浮游於音樂上，起起伏伏、氣息連貫，令歌成為了一齣心理劇。往更深入內爆的《唱衰》，徘徊在就快要瘋狂的邊緣，Tanya演唱方式的調整，猶如近神經質的唱腔，她在新碟注重情緒的表達，往往是掙扎式的，這讓人想到了Tori Amos, Fiona Apple那一類型歌手，只對著自己被壓抑所包圍的世界而唱。

跟天使對話

又是青峰作詞的《極光》提出了一個選擇問題，即「你我之間的愛情」究竟要追求如極光的絢爛快逝，還是如日復一日的曙光般細水長流？顯然這首滲入北歐空靈「地氣」而又被平淡化處理的編曲，已經暗示了答案，它中段間奏的和音加入就像多層次的極光出現，但已被「脫下神秘的色彩」；音樂表面的也無風雨也無晴，卻俱值得再重溫的細節位，正如歌中所唱到：「日復一日的曙光，其實也變化多端；細水長流的平淡，也走過千山萬水」。

有MC Hotdog參與的《Easy Come Easy Go》，本身就以Rap與唱之形式形成了在音樂上的「對話」，而更巧妙的是，歌曲「放手」的態度跟前後兩首仍在迷局中尋路的心情都截然不同，這就如「魔鬼」、「天使」的相繼出現，利用歌曲的排序，製造出它們alternating的「對話」效果。傷感的《十萬毫升眼淚》仿佛仍站在「魔鬼」的一邊，然我覺它是把所要哭的都哭了出來，演繹上亦比前面更帶揮刀切除情絲的決斷性（當然她想傳達的情緒不是單一存在，在堅強中Tanya也有如小貓一樣渴望被愛的一面）。而真正明亮的《Keep Breathing》，則俱聖歌般的撫慰、天使般的純潔，陽光正透進黑壓壓的小屋，也令人轉迷開悟、明心見性，「學會跟另一個我坦白，面對面，別隱瞞」，當你深入瞭解自己的傷痕所在，才能找得出它的醫治方法。

跟自己對話

Tanya的新專輯跟上一張變得更豁達的《說到愛》不同，內心多了旁鶩，製作思維也多了自省性，它以刺破情感壓抑積聚的膿疱，換來釋放、亦換來一段再發現自己的過程，可是我認為此「挖掘」的方式就快把人掏空，即Tanya的這種自省已經去到了一個盡頭。正如陳珊妮的《低調人生》一樣，要偏離她嘗試轉型的《I Love You, John》音樂航道，又能令其以前的風格得到重塑，蔡健雅下一步棋若想繼續往前走，不妨多觀察自身外的狀況，或關心一下其它人身上所發生的故事。

曲目：

01　極光
02　單戀曲
03　費洛蒙
04　天使與魔鬼的對話
05　Easy Come Easy Go
06　唱衰
07　墜落
08　被馴服的象
09　十萬毫升淚水
10　Keep Breathing

首選：唱衰

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周柏豪 《8》步入成熟多變的新方向

8

周柏豪

8

廠牌：華納 評分：6.5

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2012年是周柏豪的人生轉捩點，亦是其事業的新高峰，好友的病，化為《只有一事不成全你》的後搖滾勉勵，亦是《Get Well Soon》從碟名到曲風到詞意的靈感來源; 外婆的死，造就《無力挽回》的情感釋放，成全了《Imperfect》專輯與音樂會的精選與總結，轉個角度去看，Imperfect 就是 I’m perfect。

七，若然是代表完美; 八，就象徵新的突破。上張《Imperfect》記錄了他在樂壇的成長經過，那《8》就是再起步作新鮮的嘗試。人紅了，歌曲受歡迎了，創作受肯定了，自然就會予樂迷期待，在最真摯的抒發過後，周柏豪可否成為新一代男歌手的代表? 八首新曲，是周柏豪出道以來曲目最多的一次，他的音樂在EP中有精緻的製作，但可否盛載一張大碟的重量呢?

曾經說過周柏豪的專輯風格，一向是「本体分裂」，「本」是周柏豪的心聲，「体」是面目模糊的大路抒情歌，但似乎《Get Well Soon》已解決了風格不一致的問題，《Get Well Soon》即使都是一半自家創作，一半假手於人，但那樂觀希望的基調，卻可貫徹統一地融和在不同曲目中，亦因為情歌不再是迎合市場，而是來自歌者的真情流露。來到《8》，二者結合的企圖更顯著，點題作《00:08:00》當中八分鐘，就像一邊耳機播放著《黑》《斬立決》，另一邊卻在高唱《Smiley Face》《宏願》，不協調的節奏與訊息，在互相衝撃。

毫無疑問，大眾樂迷都愛周柏豪唱深情的歌曲。他的聲線沒有先天條件，卻總有一種可打動人的誠意，於是派上保守的《我的宣言》也不為過，難得是宣示細水長流的愛情，總比從前當兵默默付出的慘情，來得更名正言順，更有正面意義，亦是他懂得了我歌譜我心後，更能掌握如何演繹一首歌曲的層次，那是一種進步，在《六天》《傻小子》還在摸索模仿時未曾有的自然流暢。

《雙.對》亦是幸福美滿的延續，依舊是淡淡然的旋律，簡單而內斂，不喧嘩起伏，那是周柏豪的簽署特色。上承《Imperfect》的大團圓，下接《我的宣言》步入教堂結局，作為一道橋樑，從另一種角度看事物，所謂 put oneself into other’s shoes，那就讓他步進她的高踭鞋中。歌曲在談男方要高攀女方，更甘願放低自己去讓她上得更高，是《高妹》「我沒有六呎高，我卻會待你好」式的甜言蜜語，也是在說不理旁人眼光，哪管登不登對，只要彼此相愛就好，同樣亦帶有向高處挑戰，不害怕而向前克服的勇氣。是以，這首簡短的歌曲作為大碟的引言，意境卻相當豐富。

銳意擴闊歌路的《8》，出現了很多第一次跟周柏豪合作的班底。《放過自己》由 Eric Kwok 作曲，張子堅編曲，有一點英倫流行搖滾的影子，在結他聲中運用假音及沙聲呼喊，再次證明周柏豪的聲音很適合控訴，或呈現陰暗憂鬱的情境。之前《雙.對》與《我的宣言》是輕緩的，重點在於舒服，就如渡盡難關後相守的境界; 然而進入《放過自己》就有了激昂的過渡，離開了愛情的沉醉，如同詞中所言，改變了看法，對世界洞察。那種對人生有覺悟的自白，很切合周柏豪一路以來的形象。而《放過自己》亦有回望之意，遙應不變的赤子情懷，類近的曲風，有當年《最後的三分十六》的憤怒與絕望，如今就懂得放開，懂得感恩，比前作增添了出路感。

王雙駿的《摔角》，相信是最徹底的蛻變，因為歌者從不擅長舞蹈類型，即使有強勁節拍的編曲，都多是青春勵志，而非舞池中大跳特跳，但要衝破舊有限制，就要豁出去，何況王雙駿的編曲極有嘉年華的繽紛色彩，如同狂歡的迷幻派對。中段的密集電子樂器運用，高潮前夕的氣氛鋪墊，歡呼聲及主持介紹聲的穿插，亦在表達摔角台前準備埋牙的期待，與及之後肢體纏綿的想像。可惜MV中看到周柏豪與女伴不太過電，身體擺動姿勢嚴重不足，這方面在現場表演時需要多加改善，始終是「瘋一場 癲一趟」的體現，全場演唱會大合唱「yeah yeah」時能否投入，就看周柏豪的舞台因子了。Big Shot Version 當然更能配合周柏豪的粗豪聲線發揮，混音更迷離，鼓聲更沸揚，打擊樂器的節奏感更強烈，但主音清晰突出有爆炸力，最後一段讓尖叫的背景聲音去得更盡更狂。

可惜，驚喜就到此為止了。也許唱開K歌的，會喜歡《雙人床的空位》，只是 Kenix Chiang 的旋律一如以往的水過鴨背，每次都是以曲作背景，讓詞人的作品成為主角，詞大過曲之名，在章霈迎的作品比比皆是，《苦瓜》如此，《非凡人生》如此，無風格無血肉，卻往往可以大熱。林夕的「強扮愛和被愛　不會變上帝」也許又能撃中樂迷的心坎吧。《你還怕大雨嗎》是國語咬字的大倒退，還是上趟《錯配》一手包辦歌詞，用情至深來得真誠，幸好，馮翰銘的編曲有想法，注入了輕柔的女和音與激烈的鼓聲間奏，又來一場本体的分裂融和。

出道第七年，周柏豪的唱與作，都漸趨成熟。走出了去年個人生活上的陰霾，喜見其歌曲的正能量，歌者的陽光笑容重現。但願第九張，第十張，之後的每一張，都可留下更多專屬的印記，減少本体分裂，商業主導的痕跡。

延伸分享:
香港樂壇這一代 – 周柏豪
是傻小子還是傑出青年? 周柏豪本体分裂的專輯風格
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