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Text: 葉德雄

本地樂隊Modern Children經過逾兩年的籌備，終告發表樂隊首張同名大碟《Modern Children》。最為特別的是，Modern Children大膽起用流動聆聽的方式，推出很可能是首個iPhone Apps大碟，閣下只需憑iPhone按幾個鍵，便能輕而易舉聽到全碟，甚至看到樂隊介紹、最新動向、iPhone小樂器，構成一個多
元，具互動性的唱片。Modern Children為了將音樂傳遞至更遠，更將Apps大碟無料放送，概念明顯比許多樂隊行前幾步。

轉戰國外演出反應良好 始推出首張大碟

Modern Children原裝陣容成Kenneth、Chih、Tony、Jimmy及ST，及後ST主力個人發展離隊，先後加入威哥及Winnie，確立了現時的隊型。威哥主力二胡及鍵盤的部分，而Winnie則以小提琴手身份效力Noughts & Exes、False Alarm、Candy
Darling多支本地樂隊，無疑令Modern Children增添多元性。而樂隊成員本身熟知多樣樂器，不難見到成員在現場演出時交換樂器演奏的有趣情景。值得一提的是，Modern Children懂得配合歌曲加添玩樂元素，攜同玩具當成樂器相間奏起可愛聲效。

Modern Children近年不乏海外演出機會，喜歡Sigur Ros、Broken Social Scene、Arcade Fire、Belle & Sebastian等大編制樂隊的他們，音樂會順利著陸於日本、新加坡、中國多個城市，在當地的音樂及文化節目中獻聲。經過海外演出、為
the pancakes作伴奏樂隊等經驗增值後，Modern Children將發表首張作品集。

iPhone Apps唱片開展嶄新聆聽方式

Modern Children的成員大都依靠上網聯繫，成員也是iPhone迷，故有製作iPhoneApps的念頭。當唱片灌錄完工後，便順理成章邀請主音Kenneth的弟弟嘗試製作iPhone Apps，結果令人相當滿意。Apps大碟除了十首歌曲完全免費任聽外，更有一個可以把玩的玩具響鈴遊戲，讓大家一同玩樂。而樂隊推出iPhone Apps大碟，是為了鋪排2012年1月14日Modern Children首個大型音樂會。屆時樂隊會完整演奏大碟中的所有曲目，絕對成為2012年音樂圈新浪潮第一波。

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Modern Children首個大型音樂會:
日期: 2012年1月14日(星期六)
地點: 西灣河協青社蒲吧

最近中港台歌手紛紛推出新專輯，其中一重要現象便是不少唱片中竟然廣東話與國語曲目混雜。有別以往將廣東歌放在bonus tracks的做法，像陳奕迅國語大碟【？】便把廣東作品《張氏情歌》放在第五首；蘇永康把翻唱黃韻玲的《關不掉的收音機》放在第二cut；黃耀明就更加是整將《拂了一身還滿》廣東國語混雜。

這樣的新風氣新作風，你喜歡嗎？是好是壞？歡迎發表意見，熱烈討論。

筆者暫時心情仍十分矛盾複雜。

原文刊載於香港信報10月3日貧而樂道

又離又合的Swing 推出告別樂壇的首撃《無限》，質問音樂用不用字字誅譏，每首歌均有深層意義？Swing 此擧似是回應之前有人提出香港樂壇詞大於曲的說法。其實，音樂與歌詞的關係沒絕對，既然Swing 高姿態地發問，那我就嘗試粗略討論此話題，帶出更多令人想一輩子都會想不通的問題吧。

注重歌詞是香港獨有文化？

歌詞真的只有在香港樂壇才被過份重視嗎？又好像不是，記得被譽為史上最難聽的歌曲的《Friday》嗎？所謂最難聽，最主要的原因便是歌詞的空洞無聊，與及其一個少女以難聽單曲欲成為巨星的底層指向。流行音樂其中一特性便是流水作業，市場上一定要有足夠的音樂去流動，才能支撐整個媒體運作，包括音樂工業本身到電台到電視台。這麼多歌，怎能每首歌都言之有物？所以對於流行音樂，基本上陳腔濫調的愛情主題其實還可接受，只是不要向大家對「差勁」歌詞的容忍極限作出挑戰便可以了。說到尾，流行音樂重要的還是去到歌曲「動不動聽」的層面。

音樂沒深意不代表沒深度

Swing成員Eric及Jerald接觸大量外國音樂，自然明白此道理，故才會用一首歌的篇幅去提出「音樂可以沒有什麼意思」。嘗試用音樂說明歌詞的角色可以放輕一點，其實早有前科，近代代表作當然要數王菲的《Di-Dar》。同樣受外國音樂影響，王菲顯然明白音樂的聆聽經驗其實比千言萬語更重要。沒有實體歌詞，單靠音樂，一樣可以讓人聽得投入，感受歌曲情緒。「Di Dar」兩音令人無限暇想，聽得人心神恍惚，便是沒字勝有字的鐵証。甚至其實早在Eric Kwok十年前舊作《亂唱的歌》中，黃偉文一句「想講的　反正不太多
」，便正正表達了音樂可以沒深意的訊息。

著重歌詞是音樂人偷懶？

既然事實証明流行音樂其實一樣可以僅利用音樂來領導聽眾，那為何我們的樂壇又偏偏缺少這類作品，更多的歌曲反而是納悶的音樂卻擁有填寫得實是用心又是捕捉到眾生戀愛百態的歌詞？這正正其實是問題的癥結。我又姑且大膽歸納為兩個假設︰一是因為音樂人知道樂迷喜歡似是而非的愛情歌詞，所以每每希望偷懶地借助文字來勾起聽眾的共鳴而更投入歌曲，故是不為也，非不能也；二是樂壇人材不足，能單靠音樂便能好好傳遞音樂的音樂人不足，故是不能也。不過，最可惜的是，不排除兩個假設均成立。

原文刊載於信報九月廿六日貧而樂道

在面書上看到音樂界的朋友在哀號︰香港連流行樂壇都沒有了，最近流行的流行曲是那首？唔，流行不流行，或者回到很簡單的一個問題，二零一一年，我們需要看哪個流行榜來反映哪首作品是最熱門的作品？OK，或許思路要更清晰，要知道哪些作品是最出色的流行作品，流行榜還有功用嗎？

每年年尾都會有人在爭論沒結論的話題︰究竟今年最紅的是哪首作品，十三歲Suki話個個同學都鍾意G.E.M.所有歌；廿一歲Jason話個個手機玲聲都有一期用《唇印》做玲聲；廿八歲Amy話佢間Boutique同佢隔離的舖頭日日都播《那誰》，紅到爆；三十五歲Peter話Facebook個個都在share《Chok》。

或者不少人認為，現今人人都youtube，當然看Youtube點擊率吧。只看點擊率，更加難解，因為單單G.E.M.大部份歌曲都已比流行榜常客容祖兒歷來最多人點擊的《心淡》多了。當然，你又會爭論youtube只代表某群用Youtube聽歌的人吧，我們要看有多少人用真金白銀買音樂的數字。

這又來到更懊惱的位置，銷售數字？台灣還有G-Music銷售榜計算銷售數字。香港？IFPI在港可謂名存實亡，不包括所有唱片公司之餘，透明度更極低。加上什麼出貨量與銷售量的混淆用字，什麼歌手也說自己有金唱片銷量，可信度早已是北極氣溫零下十度。看香港最大型的合法音樂平台Moov？日日榜最多人聽的作品也在一千點擊的徘徊，代表性極有限。

所託非人，不可靠的電台流行榜

像BBC等歐洲官營電台早已不會有自家流行榜，反而設有透明度高的播放清單，列名那些作品是經電台討論後會大量播放的播放A-List。不同電台的播放清單有不同取向，例如BBC1宗旨就是要推介較少人聽到的新音樂；相反BBC2口味則較大眾化，播放質量與流行度高的作品。相反，香港的電台呢？

還有不少年輕人每天耗用青春自發去計算903歌曲播放次數。無可否認903專業推介曾經在港有領導作用，以「專業」名號推介過不少好音樂。近年被指責商業味過濃，錯不在903，商業電台「商業」是無可厚非。與其指責903墮落，不如問問我們的官營電台港台在幹什麼。驚覺港台還在搞一個年輕人基本上不會留意的每週龍虎榜(單是「龍虎榜」的用字已知多老套)。最令人痛心的是這一個榜單竟與一般謀利電台一般見識，都是沒方向沒態度亦沒有一個透明度高的準則的流行榜榜單，還是用神秘的權力之手將歌曲排隊上榜。

長篇大論，說到底，只不過想提出香港流行樂壇一個很無奈的基本情況，並希望香港樂壇能夠慢慢改善一些不設合時代的舊經營模式罷。

今天「讀」youtube 才發現原來容祖兒《花千樹》被指抄襲馬浚偉的《不再悲觀》的副歌。這case就與之前謝安琪《身體髮膚》或是Mr.《零時起哄》情況都類似，對筆者而言，均屬於意外相似的例子。

中港外流行曲旋律為求catchy其實不少作品都似模似樣，人有相似旋律相似可謂日日發生，並非稀奇。旋律相似只能說譜曲的功力不足。似一小節無損歌曲，兩小節証明歌曲好極有限，三小節的話便是欺人太甚，基本上在法律上人家已可報官。

對筆者而言，真正抄歌的是屬於那些拿人家reference卻不公開表明，最後做了一個山寨版次貨。此種抄襲無恥在讓未聽過原創人的聽眾以為他們做了什麼偉大音樂。這類抄襲的，近年經典要數黃韻玲的《關於愛的兩三事》及容祖兒的《桃色冒險》。

說回正題，容祖兒的派台作《花千樹》很清楚告訴樂迷︰容祖兒清楚明白自己的音樂位置，做大眾化的流行音樂，不再迷途。然而定位是對了，方向明確，出產的產品質量卻有問題。《花千樹》是一首徹底平平無奇的情歌，它的威力只在於你是否那種戀愛迷，Buy不buy黃偉文具體寫出戀愛這配對遊戲罷。

聽《花千樹》只聯想到90年代的那些流行曲，與及趙學而。《每隔兩秒》或是《自欺欺人》，那些誠實的港式流行曲，動聽的是歌者用歌聲傳遞的感情及情懷。不過，《花千樹》完全是90年代那些動聽流行曲的山寨次貨，不只旋律平乏熟口熟面，編曲亦沒有為平庸旋律添上signature或特點。最可惜的還是容祖兒的演繹，聽得出vocal production方面想要一個較raw的聲線，然而容祖兒的聲音就是依舊欠缺一些細微的細節，沒有能把歌曲掌握呈現的能力。她的聲音只像是跟著音樂一起走的其中一把聲線。

香港樂壇還是那樣子，大牌歌手歌曲再平庸，還是在流行榜等上高位。我們的戀愛音樂信徒，再多情歌，還是樂此不疲，總能找到設合戀愛命運的金句。單是看《花千樹》youtube二十萬的點擊率，便知道容祖兒派再平庸的情歌，合襯的的樂迷還是一樣愛不措手，津津樂道，甘為偶像祖兒赴湯蹈火，大讚歌者靚聲歌曲感人冇得頂。

其實，聽歌不像戀愛，不用為一朵花放棄整個森林。重覆聽《花千樹》，不妨留一些時間聽聽動聽的音樂森林，試試轉角某君也不是壞主意。

記得My Little Airport用「Gigi Leung is Dead」來說青春與偶像的「逝去」。這次我聽到古巨基最新兩支單曲《爆了》及《勁歌金曲三(Party King)》，慘不忍睹的情況，讓我不能不說，古巨基真的是徹徹底底的死了。

看到在Youtube用家在《爆了》的留言，說「古巨基變了」。坦白說，「變了」可能早在近十年前發生，自古巨基由「我好鍾意唱歌架」開始的回歸樂壇後，古巨基一早已是借屍還魂的古巨基而已。要追尋EMI時期那個鄰家男孩，走民謠清新路線的古巨基，要找回那真摯聲線，那你唯有播他的舊唱片了。

這或許不是古巨基的錯，其實錯在「香港沒有樂壇只有娛樂圈」。每一個走紅歌手都追尋著「明星」之路，成為巨星，踏上紅館，要幾千萬堆頭，將舞台變為機關重重的馬戲團，將自己變為披著名牌名師設計的衫的小丑。

這顯然不是古巨基的錯。

大家曾經喜歡的那個古巨基，或者只是商業音樂界的一個具良心與想法的一個計劃。那些感動那些清新那些樸實其實都是無心插柳的一些精彩迫真產物。錯不在誰人。

《爆了》及《勁歌金曲三(Party King)》再一次讓我們意識到香港樂壇的悲哀。我們已經沒要求了，什麼創意，什麼原創性，什麼質素，我們對不同的歌手會有不同的要求。只是別要這麼赤裸地告訴我們，香港樂壇真的是連基本能帶動舞步、易上口的跳舞流行作品都製作不好。

不只古巨基，想想這數年香港流行樂壇，什麼作品真的能夠流行起來？連hit songs都製作不了，香港連最基本的流行樂壇也形同虛設。香港樂壇的濃瘡暗病早在數個十年前已漸漸埋伏，這不是這代音樂界的人的錯，恨的只是這代音樂界的人做得不夠，大多仍在貪戀名人巨星生活吧。恨的只是主流媒體的腐敗，仍然是以階級制度的運作打歌。再差的歌如《爆了》，還是可以蒙蔽良心及耳朵不斷地播。

古巨基已死。僅望一雞死一雞鳴，香港樂壇能死裏逃生就好了。

修剪版原文刊於七月五日信報

暑假是歌手的繁忙季節，重量級歌手通常選擇暑假打歌。六月1st plug，剛剛由年中打歌打到年尾順勢造勢到頒獎禮，楊千嬅、容祖兒及謝安琪亦不例外。說不上是戰場上的比併，然而三位歌手的樂迷從來在網絡上都甚多嘴舌，常以尖酸刻薄的言語鬥個難分難解。那作為在信報的首篇中文音樂評論，就乾脆將三位歌手的新歌作個比較及分析，刺激大家理性討論。

歌手市場學︰別爭錯地盤

歌手如像品牌商品，唱片公司的A&R其中一職便是替歌手度形象諗歌路，簡單一點其實就如Branding。因此，只用「流行曲」來形容三位歌手的音樂風格未免太空泛，打個比喻，其實容祖兒應屬Popcorn Movie，大眾化，易消化，銷量保證；謝安琪就應是次文化sub culture的獨立製作，特別受反動對社會有體察的聽眾青睞；楊千嬅就應是亦舒的文字，較多自省的愛情情愛的思緒，吸納感情脆弱或情感豐富的聽眾。

容祖兒《13點》籲兄弟姊妹站起來

容祖兒出道至今歌路都沒有定型，與以前的巨星音樂方程式，既有最受歡迎的主打苦情路線《破相》亦要有《越唱越強》等製造勁歌熱舞歌后型象的作品。零六到零八年的她極力擺脫苦情K后定型，由【Ten Most Wanted】到【In Motion】都有巨大音樂野心作不同突破，同期開始與王雙駿合作。到近年開始容祖兒在音樂上反而顯得淡定穩陣，沒有了之前誓要突破的野心，《空港》、《破相》等作品都回歸到大路穩檔的作品而更受大眾的喜愛。

最新作品《13點》用大鑼大鼓的Big Band佈置配合典型夏日開朗拍手等元素，是首應節的爽朗流行。找來前Rubberband 成員藝琛作曲編曲，最大亮點是現場樂器錄音的方法，令音樂的氣氛更濃厚更具質感。創意層面上，《13點》非新點子，流行曲換個編曲著上Big Band套裝常常見；對容來說，爵士元素的嘗試，最早已是02年【Something About You】的《拍拖》了。歌曲最可取的反而是讓樂迷聽到容祖兒盡興的演唱，難得年輕活潑的一面。整體來說《13點》交足功課，達到水準，歌曲較有趣的還是黃偉文的歌詞。

自樂壇出現林夕派與黃偉文派後，容祖兒便極速歸入黃偉文陣營。私交甚篤的黃偉文近年為容祖兒填寫了更多具個性的詞作。《13點》似延續上年的《澎湃》，之前鼓勵聽眾「想擁戴　就擁截」；這次則以一詞兩意的「十三點」命題，意指在烈日下一點正眾生平等齊來曬太陽。黃偉文把何韻詩的「呼喚群眾」主題放給容祖兒，「就算各路那好漢
誰也有權曬一趟」，「十三點」其實不過是其中一路好漢的例子，將這與何韻詩《光明會》等的歌詞拉上聯系便令歌詞突然更有趣了。

夕陽下楊千嬅《火鳥》的絕處逢生

明星愛升cup，偏偏楊千嬅近年愛升key，挑戰高音，要展示其歌藝的成長，卻正正是樂迷詬病的地方。有人嫌重回華星，回應《Try to Remember 》的首支作品《飲酒思源》老歌格局過重過份高音，情懷太老，不是人人能明白或接受。那這次唱回舊key的《火鳥》就明顯是徹底的回歸了。

聽著由陳輝陽作曲林夕填詞的《火鳥》，我們便明白為什麼楊千嬅說「沒有路是冤枉的」，來形容幾乎是公認為楊千嬅音樂道路黑暗低潮期的A Music時段。與手塚治虫漫畫【火之鳥】同名，林夕的《火鳥》指的是浴火中重生的鳳凰， 亦即是沒有斬釘截鐵如死的決心便沒可能重生。亂扣帽子的話可以這樣理解，沒有A Music時的喪失個性，便沒有重回華星後重生的楊千嬅。

厚厚的鋼琴聲引入，典型慢板的《火鳥》既有《少女的祈禱》的迴腸盪氣，亦有《我的生存之道》的針針見血、自我鞭策的絮語。歲月的洗煉亦讓楊千嬅在《火鳥》中找回華星的聲音狀態及含蓄的感情表達，由吐字到不少細微位置(假音的轉換或是尾音處理都是細而精)都讓人覺得楊千嬅從前自然的感情流露及溫婉氣質回來了。

「重生」不只應用於楊千嬅上，亦應用於近年少產的陳輝陽。陳輝陽是少數本地能打造叫又又叫座的流行曲的音樂人。撇除二千年早期的輝陽暗淡時段，有傳統音樂訓練的陳輝陽從來作品中都有脫俗的氣質，基本上你不用懷疑陳輝陽的功力，由《暗湧》、《垃圾》到《黑夜不再來》、《少女的祈禱》再到《K歌之王》都是陳輝陽創作力的最佳履歴。陳輝陽四十有三，不再年輕是客觀事實，亦無需爭議創作高峰期已逝這事實。《火鳥》則驚喜在聽到除了有一貫古典隽永的特色外，還有他早期喜歡運用的電子聲效(久違了的”Theremin”音色)來令歌曲更有現代感。人大了，心境亦因此轉吧，《火鳥》的旋律與以前陳輝陽的曲風亦十分不一樣，繼續有舊歌情懷。之前《破相》副歌詭異地與《傻女》幾可亂真，《火鳥》的Verse亦竟有楊千嬅的偶像陳百強《喝采》及王菲《約定》的註腳，有趣。

《火鳥》亦再一次証明林夕為何敢高調地說楊千嬅是她的一塊肉，好的總是留給楊千嬅。有別舊作，這次的「重生」主題與愛情的連扣較寬鬆，想像空間亦較大。「沒有光末路憑目光照明」或「天國近才會記得不死本領」都是典型林夕送給聽眾或是楊千嬅或是陳輝陽甚至是林夕自己充滿詩意與智慧的勵句，字字到肉。

謝安琪《十二月二十》重回市井，挖苦富翁高官

繼【Slowness】跟國語專輯較多ballad及情愛主題後，謝安琪新歌《十二月二十》重回其立足點，曲風偏向以往較偏門的風格，以市井式嬉笑怒罵來評論社會現象。繼續夥拍老戰友周博賢而不假外人，周寫出社會貧富懸殊的荒誕現象，依然幽默風趣，像「給丟低家裡個個冏樣」或「瑟縮於家裡吃凍香腸」與「Lafite加官燕」的對比實在啜核非常。集合不同音樂元素的格局甚至讓人想起同樣Reggae達明一派的《十個救火的少年》。

不過，作為首支單曲，《十二月二十》的弱點在於旋律流行力不足，亦即是樂迷所謂的「不夠搶耳」。諷刺性再強再怪誕的，或可加強Screwball風格，如《十個救火的少年》；要加強氣勢及歌曲變化的，或可放更多起承轉合，在結構簡單的旋律之上有更多的變化。現在作為首支單曲的《十二月二十》，以一貫流行歌手標準來說，明顯是偏向平淡了，作為side track 下一個諷刺社會的小remark或許更妥當。似乎謝安琪始終如一，並非那類只重視獎項而推出重重覆覆的無聊流行曲的歌手。

三個歌手，三個黨派

有龐大市場照顧的容祖兒依然流水作業，旗下產品通常都經過嚴格程序，達到品質保險線，卻鮮成佳品；婚後楊千嬅則開始找回自家音色，重修其音樂聲譽，保守中尋突破；謝安琪則仍然獨立製作，為民發聲，可惜創作力有限。不過，三位重量級女歌手都有明確音樂取向已是值得慶幸，《13點》的正面開心流行同時有關心社會的元素；謝安琪重新背負為民發聲的精神，以《十二月二十》來個嬉笑怒罵；楊千嬅不再奢求成為流行巨星Lady Gaga，交來字字到肉的《火鳥》。樂壇理應百花齊放，將歌手或歌曲盲目比較或是盲目比併都甚無意義。現在三個歌手三首歌曲有三個不同故事，不再是K歌鬥K歌，慘情鬥苦情，暗戀鬥失戀，其實應值得高興。

記得Mr. 的第二張大碟【If Iam…】推出後，業內人士告知他們是行內實際銷量最高的歌手。說的是沒有內部認購的數量。如今受歡迎度大概是有增無減，新碟【People Sing for People】 上月推出，看見他們在旺角小小的唱片店widesight舉行簽名會，實在是徹頭徹尾堅持平凡，符合踏入主流樂壇時起名「Mr.」的原意。作為當代香港樂壇最火紅的樂隊，簡直是「地上」最強，原因如他們的音樂般易懂：

一、由曲到詞皆可以一手由成員包辦，而且兩方面都貫徹簡單直接，旋律編曲容易預計，迅速入腦；歌詞主題大眾化，不轉彎抹角，共鳴易生。

二、香港如今是沒有純玩節拍pop rock 的樂隊 (或者應該說，沒有這樣地pop)，這種少年極度需要及容易消化的宣洩及亢奮音樂，Mr.全包起。在這個什麼都講求crossover 的時代，他們大概可以一直專心做流行搖滾，已能穩佔一席。

三、主音Alan 的聲線高音佳、中音準、低音冧，出道靠似陳奕迅一人，當紅靠〈如果我是陳奕迅〉一曲，如今大家聽得出分別，卻仍會喜歡「Eason」唱搖滾的完美快感。

除了這三點外，一直覺得Mr.很有八十年代氣息（說不定也是伯樂譚校長力捧的原因）。Mr.則在訪問及歌曲中，流露出對Beyond 的鍾愛，可是，就詞曲而言，他們的發展其實更似太極的公式。

這樣比較，或許都是來自一份對八九十年代Band Sound 盛世的情意結。(也或許來自歌詞: 自問極不願當複製人 但事實聲調難以變更–那我不如提供一個他們不要變的原因。) 太極出道至解散，除歌詞外，演及唱一手包辦。比較大熱的歌曲都由因葵及潘偉源寫出太極風格。朱耀偉在《光輝歲月﹣﹣香港流行樂隊組合研究84-90》一書裏曾形容太極的詞為「典型控訴」，對城市的不公吶喊。可把重點放在「典型」二字，的確，他們沒有Beyond 的強烈個性或宏大的價值觀，亦沒有達明一派滿溢的詩意或隱喻。

這種普遍性強、容易代入的特性，放諸Mr.亦然。〈2030〉 及〈戰禍〉的亂世惡夢、〈禁區〉及〈搖擺〉的音樂青春解脫、〈Crystal〉和〈遇上了〉的簡單愛情故事、〈全人類高歌〉及〈零時起哄〉的熱血嘉年華等等，都是直接及普遍的青春代言。只是Mr.有更殺食的形象，一隻腳在偶像派的範圍，大概會令他們比太極更站得住腳。

其次，太極如Mr.般在音樂上都是技術型：原創度不高，但演繹能力強。兩者無論是玩自已的歌曲還是別人的歌曲，在live的空間都是醒耳動心，太極作為他人的打手自然毋庸置疑（Joey Tang、雷有輝等剛剛又在林子祥的演唱會擔任樂手及和音，依舊精準出色），而Mr.的話，就算過他們在芸芸翻唱作品的樂隊中（譬如又要提提《林敏聰好歌好友音樂會2009 》中的〈打開信相〉比原版更rock，唱法卻不是幼嫰cover），編排及演繹都先聲奪人。

Mr.在耳界大開的年代，或許會被看成重複——不止會出現別人的曲風，連自己的編曲或chord也免不了熟口熟面。但一隊樂隊的價值大概也不只在於create，也在於perform。而如今，我們不單需要Mr.，還需要更多Mr.。