Category: 短打

唱得出「那些年錯過的大雨」，卻想不起2011年香港樂壇有甚麼代表作。有人話香港樂壇 is dying，一直被台灣樂壇瓜分佔有率，國語歌吞噬粵語歌市場，像簡體字入侵香港一樣可怕。但可怕得過每年頒獎禮來來去去都是那幾張相熟的臉？都十幾個年頭了，每年看頒獎禮就像看歡樂滿東華一樣，沒有甚麼新意，沒有甚麼變動，很枯燥。然而，香港樂壇一直蘊釀著一股潛力量，中生代等著發圍，香港樂壇似乎在不久的將來會上演一場朝代更替。

This City is Dying — 唱片公司的市場焦慮症候群

2011年陳奕迅竟然倚靠一首苦澀難入口的《苦瓜》生存，在慨歎陳奕迅今非昔比之餘，也很同情歌手今天的處境。歌手們在香港樂壇生存得相當吃力，為著市場佔有率日焦夜累。縱然膩了，我們每年還是會聽到容祖兒有一首《花千樹》，謝安琪每年還是會有一首《你們的幸福》，連王菀之也可能每年會有一首《末日》。這些所謂的「食糊作」都是靠著同一條方程式生存，歌詞一定要交給林夕或黃偉文處理，作曲最好找到 Eric Kowk, Christopher Chak 或者以媚外心態購買外國旋律。而唱片公司又一直在盲目信奉著這套理論，每年都很有野心地經營著這些罐頭作，再祈禱會有《囍帖街》的結果。千猜度萬猜度，2011年很諷刺地最終也敗給一首沒有刻意經營過的《那些年》。

Dr. Dylan 「This City is Dying」振奮人心的演講，某部份也是衝著香港流行樂壇而來的﹕「你睇吓我哋呢個世界，睇吓我哋呢個城市係乜嘢樣，除咗錢呢個字之外，我地已經分辨唔出是非黑白，我哋每個人都被環境訓練到，好似倒模出嚟咁。」因為金錢，每個香港歌手都成倒模歌手，就連謝安琪也越來越容祖兒。又因為金錢，林夕、黃偉文以外的填詞人皆被唱片公司看低一線。2011年小克為羽翹所寫的《念銅鑼(銅情心)》以銅鑼灣風光入詞，食字見小克頑皮的風格，而筆觸卻是意想不到的細膩。2011年藍奕邦活躍詞壇多於作曲，為容祖兒《垂涎》添幾分妖嬈，為鄭融《自來水》添幾分嫵媚，一下子成為女性代言人。還有梁栢堅《我們的胡士托》和陳詠謙的《天河》，香港詞壇從來不是非林即黃，為何唱片公司執著要黃偉文寫《牆紙》才能派台？

其實每個歌手骨子內還是有其獨特的音樂個性的，只是被香港這個商業掛帥的城市蠶食。當你以為謝安琪【Slowness】後不會再有草根皇后的味道，【你們的幸福】大碟的出現是救市的保證，證明 Ban Ban Music 年代的謝安琪尚未死亡。【你們的幸福】除了在社會議題夠出眾，謝安琪在凌駕《少女瑪利亞》《潔淨皇后》《溫室》等作品比起《你們的幸福》更加自在，因為這才是謝安琪的音樂性格，這才是屬於謝安琪的。陳奕迅唱《苦瓜》進行曲根本不對板，《六月飛霜》的沉鬱與爆發精彩更多。王菀之的出生就注定是一個火星人，當大眾因為《末日》開始接觸她的音樂時，《水百合》才是我認識的王菀之。不過香港人就是這樣，興趣是當個設計師，現實卻是個文員。This city is dying; We know.

樂壇老化 資深歌手應放棄領獎

這幾年的樂壇頒獎禮越看越悶，全都是陳古容楊的戲份。不少人會認為香港樂壇的新一代不能予以寄望，慨歎著「樂壇一輩不如一輩」；但香港樂壇新一代根本缺乏上游的機會，音樂做得如何努力都不被認同。當香港面臨人口老化，香港樂壇一樣在老化：被封為「樂壇人瑞」的楊千嬅、樂壇霸權陳奕迅和容祖兒來到2011這個年頭，是時候認真考慮放下對獎項的眷戀不捨。

近年來音樂評論人一直大力抨擊陳奕迅的音樂，承繼去年頹風，2011年的【Stranger Under My Skin】依然吃力不討好，音樂的實驗性也許被營銷語言誇大了。但事實陳奕迅踏足樂壇十年有餘，尚有甚麼音樂實驗未嘗試過，我們實在難以再期望陳奕迅會有【Listen To Eason Chan】般嚇人一跳的驚喜，「沒有進步」這些詞語根本不屬於陳奕迅。2011年，我們樂於聽見陳奕迅宣布不會出席任何2012年年度的樂壇頒獎禮，但更期待聽見的是日後「不再領取任何獎項」。

音評網站好容易給予讀者錯覺，針對某些天王天后級歌手。然而好音樂是沒法針對的，2011年的容祖兒是一個最令人安慰的例子，【Joey & Joey】成為容祖兒履歷中音樂水評最高的唱片，從《牆紙》的溫婉嫵媚竟然找到容祖兒的內涵與文藝氣質，《垂涎》的大膽意識超越了容祖兒保守的音樂底線。當容祖兒的音樂趕得上其成就，更應放開獎項包袱嘗試更多 K歌以外的事情。回娘家華星之後楊千嬅已昇華到另一個層次，2011年《火鳥》《白天鵝》等為生命作總結的作品，基本上已經擺脫市場的運作，無需再為遷就頒獎禮而活。

一個健康的樂壇是需要新陳代謝的。飲水思源，也許89年沒有張國榮宣布不再領獎，四大天王也未必有發揮的機會；四大天王1999年不宣布退出樂壇頒獎禮，陳奕迅也沒可能在千禧年有發展空間。歌手的音樂生涯很短暫，梅艷芳1983年開始活躍歌壇，90就宣布不再領獎，相比起來，三位歌手的十餘年音樂生涯已經非常資深。我們多謝三位歌手在千禧年間留下過無數經典歌曲，是時候在音樂事業最光輝的地步放手，考慮摒棄樂壇頒獎禮，用另一種心態繼續做好音樂，同時賦予新一代機會。無謂到來年來月褪色時，默默被大家忘記。

2011．樂壇中生代實力年

2011年的作品數量不算多，但勝在質素挽救，其中中生代的音樂掘起，力證香港樂壇未必是青黃不接的。at17 短暫拆夥後，盧凱彤在年頭的【掀起】展現個人的音樂魅力，一枝樸素的結他就交代了其音樂才華與底蘊，成熟度絕不失禮。從盧凱彤對《雀斑》Vocal 灌錄的執著，我們應該慶幸香港樂壇有這樣的中生代歌手。曾擔心《有時》的流行會讓周國賢走得更迷失，2011年竟然找到最適合自己的搖滾路線。《天馬行空》用弦樂舖出華麗，《覺醒字幕組》的大膽搶耳，已掩蓋自身演繹的瑕疵。可能與陳奕迅合作《張氏情歌》的關係，《初戀殘酷物語》更見對情感的有了新的揣釋，成就了周國賢最精彩的階段。以兩位歌手本年度的表現，男女歌手三甲不入實屬香港樂壇的可惜。

另一中生代周柏豪這年憑【本体分裂】在流行層面受到廣泛認同，欣賞他不甘安於偶像派之名，在處理《Smiley Face》等大路愛情作品時，也涉獵到非常《裙下之臣》的《黑》，其後的《天光》也在歌曲層次上多下了功夫。KOLOR 從地底打拼到今年終於爭取到更多曝光率，《愚公》惹到一定關注，但更愛《Get So High》的大力示威控訴。官恩娜的歌聲得到認同之後，今年度的《由他去》聽到其自信灑脫。這幾隻樂壇潛力股，欠的就只是一張大碟去奠定自己的路線。

末日成為2011樂壇最濫的題材，其中張繼聰說新世界秩序的【5+】和 C Allstar 充滿願景的【新預言書】也是優異作品。張繼聰《瑪莉殺死小綿羊》以經典童謠諷刺世界殘酷，更將末日話題拓寬到環境保育，落點有趣。C Allstar 【新預言書】中愈趨大器，除了單曲處理得更加精緻，更是當今樂壇少有的概念大碟。更不可忽略的是年頭麥浚龍的【無念】，一張要人反覆嘴嚼的藝術品，乃至藍奕邦重塑靡爛的八十年代，到泳兒突破自己的《愛情是吃的》—- 我不見得樂壇中生代沒有希望，欠的只是上游的機會。

2011．二線的生病與康復

2011年農夫像是活於過去，用《舉高隻手》流行的那一套推再做《全民合拍》。對時代節拍的有所掌握正正是農夫的優勢，2011年時事民生熱話多不勝數，卻沒有好好充份把握。難得2010年【奇蹟】突破了農夫音樂的樽頸位，沒有把握2011年發展時機實在可惜。也許電影成為了薛凱琪的主菜，今天聽她的音樂再沒有以往的驚喜。可能是唱片公司猜度得太多，偽裝成熟的【August Girl】只有聲線矯揉造作的薛凱琪，《8月號》和《除下吊帶前》都讓人聽得很不舒服。

對歌手有期望才會有批評。尤其是何韻詩這些一直對好音樂有所堅持的歌手，實在不情願看到音樂水準有下降的一天。就算【Awakening】的概念是以勇氣作包裝，意識再積極正面，也未免是眼高手低之作。當台灣金曲獎的評審稱讚何韻詩在【無名．詩】能充份凌駕多種曲風的時候，【Awakening】卻因閉門造車而流於單一，創作班底不夠多元化。何韻詩做音樂的自由度比很多流行曲手要高，既然有如斯得天獨厚的條件更應好好把握。給自己多點 Inputs，不要故步自封，何韻詩絕對有理由創作更好的音樂。

張敬軒大病康復，2011年在流行層面未必回勇，但音樂卻稍見起息。【酷愛】之後張敬軒的音樂一直處於宭局，【Urban Emotions】至【No. Eleven】過份賣弄張敬軒的聲線，勉強唱著不稱身的懷舊音樂。2011年為張敬軒挽回很多分數，以R&B為基礎，配上電子樂的《Deadline》和配上弦樂的 《Stop the Time》都是一條適合張敬軒逃出宭局的路線，也是挽留自己觀眾層的好作品。但所期待絕不是一張新曲加精選。

總結．2012年樂壇新秩序

中生代的掘起告訴我們，樂壇青黃不接只是一個假象，他們一直在等待接棒，欠的只是機會。甚麼都玩過了，對資深歌手而言獎項是何等閒物，但對後輩而言卻是上游的原動力。資深歌手也要明白花無百日紅的道理，畢竟你們也唱過「高峰的快感, 剎那失憾」，何不昇華到另外一個放下商業的包袱的境界？也許2012會是世界末日年，但更多人認為這不過是指世界新秩序。同時請中生代做好準備，如果有上游的機會，你們就注定要接受更嚴苛的批評。香港人不要自怨自艾樂壇有多壞，不妨積極一點，注入更多良性競爭，上演一場健康的朝代更替，This City May Not Be Dying。

原文連結

一向很怕「樂壇如今太不景氣」之論調，尤其是歌手一方－－埋怨歌迷無買碟、香港無樂壇、唱片公司無機會。音樂人與樂迷互相責怪對方「今非昔比」，實是消極。但若出自今年正式解散的Swing之口，我想我會額外同情。

1999年，Snowman成立，二人叩門多時，抱著顛覆樂壇的理想，終獲千禧年代唱片支持推出《Snowman》。後投身英皇，公司主張易名Swing，推出同名專輯。2001年同推《On Fire》及《For Sale》，前者發火，雖具爆炸力，但風格及主題繁雜；後者概念完整，不理市場，但碟名就是以販賣自己為暗旨，預示解散。這年他們獲得叱咤組合金奬，但Jerald已萌去意，二人合作不了（不適應娛樂圈是非與工作量，及Eric的作曲作品多獲派台）。2002年推出新曲加精選的告別集《Swing Swang Swung》。到2009年與英皇合約失效後，Jerald決定重組Swing ，兩年後成功與否都會離開，回流加拿大，Eric一口答應。上星期告別演唱會，說是無憾離開，Jerald卻哭了四次。

是晚紅館演唱會，叫我不斷想起Swing的酸溜。Jerald說做不到巨星，且唯一演唱會只有唯一贊助；Eric則笑說沒有人相信他的話。他們不只一次表示沒有人理。以當年得的獎和上榜率來說，有留意他們的人當然覺得成績不賴。但現實卻是你即使搜尋Youtube，也不會找到大量Swing的作品。唱片公司不力捧、形象不夠突出，連帶樂壇不景氣的天時地利人和，都令Swing無法達到他們的目標。這於悲觀的Jerald是最為明顯。演唱會上陳子聰笑Jerald抄歌，立時憶起Jerald說曾特意向大熱流行曲發洩，抄陳輝陽的〈終身美麗〉作成〈小流星〉（是為森美小儀歌劇團而作，2002），他寧願被人罵也想有多點noise。結果，錄得零反應。演唱會當晚位位嘉賓說不捨，那相信不只是為告別，也是為他們所得到的迴響而不值。

第一張《Snowman》音樂上有電子、芭樂，歌詞亦已涉打工仔囧詞、口語耍花槍，在情歌當道下反應渺然。到Swing時期，曲風則揉合電子、舞曲、R&B、Modern Jazz，唱方面有Jerald的Beat Box及Ad-lib、Eric的英語抒情。音樂風格始於西方，歌詞卻從一而終非常地道，講跑步、講食魚、講打風、講風水、講港男。進一步去說，我尤喜歡Swing部份作品刻意的反差：歌曲與歌詞都相反進行，以甜蜜的旋律說情已逝，抒情的鋼琴編曲說心有不甘，以矛盾寄托矛盾。

黃偉文說過，Eric Kwok是少數有要求曲目主題方向的作曲人，可想而知他在Swing更是額外執著。由瀕臨拆夥時期的《For Sale》，〈大大公司〉說的執笠大特賣主題，到〈帝國大廈〉的鬱鬱不得志（黃偉文以911延至情人愛偶像、不愛自己的不忿，與Swing自身不受重視來作相映，今天聽來別有感慨），都訴說他們的心結。七年後這趟復出， 歌曲繼續寄意，Jerald以娛人先娛己的方式輕鬆回歸。第一張《武當》調好內功，〈Let it go〉說明真的放下，「原諒自己　即使兩目閉起／…交叉跟剔也有過　難明白亦上了一課」，接著《電》再玩歌詞概念大碟，從前的無聊男怒吼變成無奈男悟性，首首唱中佬心聲。最後一張《Swing到盡》終極顛覆自己，以〈無限〉作最後的叩問，問歌詞為何物，「請小心解拆與重視　或者當中廢話一遍」，壯烈奔走，Swing從此也一去無回頭。

另一Swing的第三成員一向被喻是填詞的林寶，標誌著Swing那種難耐壓迫而偶爾作樂。但黃偉文在不多的Swing 產品中，是另一關鍵詞人。Swing的過癮卻深情主題，黃偉文遊刃有餘。早年有〈打者愛也〉及〈大大公司〉，近幾年有講生活層次的〈麵包生命〉及告別遺書〈那邊見〉。黃偉文獨有的抵死但濃郁的寓意，在三大詞人中是很適合男子組的。

有趣是黃偉文與Boy Duo Group都有不解之緣。比Swing遲兩年出道的Shine同樣依靠黃偉文的歌詞，營造出一系列富文藝關懷氣息的非情歌。那種細膩溫柔的歌觸與Swing的強烈吶喊形成對比，挾著外型及包裝端好的形象，卻仍難逃解散的命運。樂評人田中小百合就曾把Shine的後勁不繼歸咎於黃偉文減產。那時唱片行業開始面臨危機，公司資源有限，女子組如Twins及後來的Cookies似乎有更多方向發展，亦大可能是Boy Duo Group不被力捧的原因。

那是男子組最繁盛的時候，有Swing有Shine還有Boy’z。另一組合Boy’z亦比Shine遲兩年出道，兩隊都同在08年解散。Boy’z走偶像路線，據說因成員之一Steven年紀太小、紀律不好而發展受阻。今年復合，Steven長大了，Kenny亦成熟了，如Jerald般放低執著。音樂上多了要求，找來張敬軒為他們打造R&B，明顯是要加入實力元素，雖然只有兩首新歌，新曲加精選專輯口碑還是不賴，能否成功繼續卻還是未知之數。今年組合goldEN也蒲面，更說過要以Swing作目標，歌迷則希望不會步Swing的退出的後塵吧。

這男子組解散的魔咒，最成功似乎就只有軟硬。就Swing與以上兩組相異的「玩野」類型來說，亦與軟硬的方向較接近。要打破規則、抵死嘲諷，其實連種子成員林海峰單飛也繼承不了。口語及麻甩入詞，在非情歌系列裡玩阿Q控訴，Swing和拆夥後的林海峰一樣，雖然首首言之有物，音樂感亦強，卻始終難成大氣，只能為小眾注電。演唱會上林海峰唱出唯一的非Swing作品，正是二人所寫的《流行曲》，「慘情　我愛你抵死冇好收場／煽情　必兩粒眼淚情緒高漲／去到chorus chorus要易記易唱／記住要　重複　重複　我為K迷著想」。三人一拍即合，無非都因為是同路人──大家都深明流行曲的煽情必嬴道理，卻不甘心去做，另闢蹊徑在軟硬之後、K代之時，注定不能跟歌迷鍾情的軟綿綿被窩相比。

Swing或許真的不能以出位去顛倒樂壇，可幸是他們在臨別時依然給了我們迴光。如陳奕迅當晚在台上所說，他們的歌曲首首動聽，在音樂隨手可得的年代裡，卻成為了犧牲品。所以，我們需要的不該是Swing的回歸，而是對Swing過去作品重視，也是對任何其他好歌的重視。歌神把責任由音樂人交回樂迷身上，愛樂的、評樂的，我們都聽進了麼？

不能親身到九展看楊千嬅Minor Classics音樂會，唯有網上倫睇。不過，雖不在現場，依然被楊千嬅的粉絲嚇親騷擾。

坦白說，從這次音樂會再一次証明你別再天真得再想看那玩味奔放跳脫反叛電子indie的華星楊千嬅，現在的楊千嬅走女人穩重路線，除了年紀增長外，唱功及中氣亦增長了。上一次【Ladies and gentlemen】的經典曲目唱得太多，整體就只像是重新演繹，騷味演味濃了卻略欠靈氣。這次用成熟女人感覺演唱從前少女曲目，則真正叫人刮目。

可惜的是，楊千嬅正式脫離少女時代，歌藝大躍進的時候，部份粉絲的智商反而沒進步。聽她唱《零號》沒有電子卻變了較演歌的唱法，不再是原版那傷心欲絕厭世的控訴，反而是怨念十足的呢喃。楊千嬅的演繹雖動容，卻改變不了粉絲咆哮合唱是煩厭非常這事實。

印象中楊千嬅的粉絲在慢歌中咆哮合唱已是非新鮮事，只是想不到相隔這麼多年一樣沒有改變。演唱會是互動的，大合唱是平常事。然而，合唱也要看場合，大熱作合唱最常見亦最容易接受；快歌舞曲合唱亦正常。不過慢歌，尤其是伴奏極少的慢歌你咆哮合唱，除了令人煩厭外，則多少反映你是心智幼稚盲目追捧偶像加不懂得尊重自己別人甚至你偶像的無知粉絲。

像這次《零號》的慢作，在歌者方面是需要十分投入沉淪在音樂之間；在聽眾方面，你亦需要靜靜地欣賞投入這樣感情猛烈的演繹。莫說咆哮，任何噪音在這樣的場合也是不可發生。你一咆呢哮呢，噢，多謝你，因為你已破壞了歌曲了。希望無論是楊千嬅粉絲又或是一般粉絲，以後在演唱會期間請將音量收細，懂得在適當場合收細音量，安靜欣賞，尊重自己，尊重音樂。

謝謝合作。

《天河》傾出的那些年收音機是唯一娛樂的日子，《孔明燈》唱出「賣懶賣懶賣到三十」的童年唱詩，我非常期待李克勤新碟會賣甚麼香港情懷。錯愛兼中伏，我們都被派台歌欺騙了感情，寄附在歌曲上的香港集體回憶，統統被塞進了國語專輯【似曾相識】，那預期與現實的落差真是非粗口可形容。

「一碟兩語」日趨流行

君不知原來潮流興搭豬骨，但凡香港歌手推出國語專輯，為怕香港樂迷失寵，都會在碟尾附上一兩首廣東歌以表心意。也許動機是鼓勵香港電子傳媒多播播歌為爭獎衝刺，也許天真到認為有聽眾會為了隻《月球上的人》去買【認了吧】，為了隻《鋼鐵是怎樣煉成的》去買【無名．詩】。但你們的厚愛我們實在難以消化，正如陳奕迅《張氏情歌》出世於一張國語專輯就是一個怪胎，與碟名一樣是一個令人摸不著頭腦的大問號。

香港傳媒不認受國語作品？

我又不見得香港主流傳媒抗拒甚至排斥香港歌手推出的國語歌。方大同為香港樂壇帶來一個很好的議題：傳媒應否為香港歌手推出的國語歌打折扣？慶幸本地主流傳媒沒有因語言不同而調低對方大同的評價，尤見商業電台都其寵愛有加。例子比比，正正去年謝安琪《脆弱》和今年盧凱彤《雀斑》都沒有被傳媒忽略過。當我們即將恭迎《好不容易》成年度歌曲的時候，唱片公司似乎低估了國語歌在香港市場的接受性。

反 Bonus Tracks 的「一歌兩味」

我所反對的不是廣東歌附於國語碟推出，而是「碟尾搭豬骨」的唱片銷售模式。反之亦言，明明概念好完整的一張廣東碟，尾尾出現一兩首「一歌兩味」國語歌的情況司空見慣。幾年前人人熱唱謝安琪《囍帖街》，黃偉文的歌詞成為流行的關鍵；一年後【Yelling】中林若寧為同旋律譜上國語詞，易名《歡送會》，竟然換來的是一致劣評。這不是林若寧詞鋒拙劣可以解釋的，因為大眾已將接受了 Eric Kwok 這個旋律是屬於利東街的，才會惹來對《歡送會》的反感。容祖兒《花千樹》就是《花千樹》，無謂為照顧大中華市場而在【Joey & Joey】碟尾出一隻《最後情人》。更奇怪的例子有陳奕迅【？】中，同一旋律在不同語言上製造了氣氛衡突，藝術的《看穿(國)》和現實的《神奇化妝師(粵)》各走一端，沒有 Gimmick 只有尷尬。

旋律和歌詞不是如此兒戲可以獨立運作的，所以「一歌兩味」是香港樂壇其中一件最荒謬的事。何韻詩曾經做了一件自相矛盾的事：去年她出走台灣在 Club house 大唱廣東歌，也在多個綜藝節目包括【娛樂百分百】演繹廣東話版《木紋》；明明身處國語市場卻從未唱過【What really Matters】中周耀輝處理國語版的《木紋》。相信何韻詩考慮的不只是作品的傳唱度，更重要是作品原汁形態的情感是二度製造無法比擬的，也成就了歌者的堅持。

「一碟兩語」可以不是罪名

反對「一歌兩味」是必然的，但「一碟兩語」卻不一定存在問題。音樂本來是沒有語言的，第十八屆台灣金曲獎是一次很好的反思，林生祥堅拒憑專輯【種樹】領取最佳客語歌手及最佳客語專輯兩獎，原因是他杯葛金曲獎以語言劃分音樂。其實很多香港歌手，包括黃耀明【拂了一身還滿】, 林一峰和黃馨的【花訣】, 盧凱彤【掀起】, 鄧紫棋【My Secret】等都示範了國語歌並存的可能性，大前提是要有整齊的曲風或強烈的概念支撐，歌曲並不是以 Bonus Tracks 的名義寄生，更不要出現「一歌兩味」。既然我們提倡音樂大同，就不應再以為語言是一種局限。

為甚麼大碟要有 Bonus Tracks？

我沒有甚麼要捍衛粵語歌的宏願，只是希望唱片公司和歌手們反思一下 Bonus Tracks 的意義。如果刻意在唱片劃分一隅給另一種語言，給歌手們爭獎或增加銷量之用，實在是一個非常可悲的現象。再用李克勤【似曾相識】的例子，久無粵語作品樂迷或許會覺得可惜，但也不及未能將《天河》《孔明燈》觸及本土情懷的濃郁概念延伸至一張專輯可惜。說穿了，我只是擔心整個樂壇為了發錢寒到失控，不惜「一雞兩味」甚至不顧唱片概念去犧牲專輯的完整度。請勿再用市場解釋音樂，解剖專輯，多謝合作。

原文連結

原文刊於信報七月廿一日

歌曲或MV要在網絡廣傳其實極難，中港台近日則有劉子千一首《唸你》成功製造網絡現象，成為大中華新的Internet meme。《唸你》如何令劉子千由寂寂無名到一夜成名，在此嘗試解構並闡釋個中現象。

刻意逆市場宣傳︰刻意老土惹你笑？

如果你把《唸你》當是笑話一則，心裏不爽，狠評老土難聽，但又不禁再分享，那你就正正跌入新世代網絡宣傳策略的圈套。網絡發達，言論開放，像高登等平台的網民早已養成對什麼都極速評頭品足的習慣。然而批評背後往往都欠缺了包容、對事件詳盡的了解及應有的分析力。最普遍——亦是最蠢的——就是不少網民均假設眼見的人和事真的是如眼見的沒經大腦，動輒破口大罵，正正不自覺地成為人家的宣傳工具，推波助瀾。《唸你》或者就是摸清了網民底細而作出的聰明市場策略。

《唸你》的弔詭在於大家也搞不清所謂的「難聽」唱法是「真心」還是刻意「搞笑」。只要聽畢【感動】全碟，便會知道劉子千的唱功遠比《唸你》中的成熟。所以不難令人猜測︰這是否從頭到尾都是商業策略？父親劉家昌坦言《唸你》是要讓他忘記技巧來唱，而這種唱法及mv的風格都是他堅持的。這又洐生另一有趣的反思，若判斷這只是狡滑的宣傳技倆，那便純粹商業；相反，若然我們相信《唸你》是基於劉父的音樂信念及堅持，那又有另一種閱讀。

「不正常」音樂衝擊保守聽眾

網友狠評《唸你》難聽，究竟有幾難聽？絕大多時間我們都找不到具體理由來解釋為什麼一首作品難聽。舉Rebecca Black的《Friday》為例，被稱為最難聽的原因，其實不是歌曲真的「難聽」，歌曲錯在歌詞內容的空泛無聊。對於大眾，《唸你》錯在它的與別不同。歌曲用六七十年代的音樂風格配合搖滾編曲，以隆重絃樂延續舊歌情懷，手法不新穎但亦不老土。千夫所指的是劉子千的唱功，或應更準確︰唱腔。要所謂「正正常常」地演繹歌曲何其容易？接受不了劉子千的演繹——那幾乎像一個孩童般張開嗓子用力地唱的演唱，說穿了，其實只不過是我們都習慣了坊間的標準演唱方程式。

大眾跟隨Social Norm不愛離群是情理之中，然而把這慣性思維放在音樂上則難免固步自封。缺乏包容力接受力，快速作出沒論點的批評除了是缺乏批判思維的表現外，更可惜的是喪去了欣賞不同音樂的可能性及洞悉力。人人的口味固然有別，有喜有惡，然而，如果看不穿劉子千的演唱是刻意懷舊及幼稚，捕捉舊社會戇直男士的情深款款，那就未免太膚淺了。【感動】一碟是劉子千孝順劉家昌而唱，為的是「老人家開心」，而歌名「唸你」則是源自劉父舊作《念你》。整個策劃至少充滿人情味。惡罵之餘，不妨嘗試了解。歌曲其實就像老夫子用傻勁對陳小姐示愛一樣的情懷罷。